"Comedia sin título": La valiente catarsis de lo incompleto

¿Por qué hemos de ir siempre al teatro para ver lo que pasa y no lo que nos pasa? (Autor. Acto I)

España, años 30. Federico García Lorca trabaja en una nueva pieza teatral. Al poeta le mueve la obsesión por el reflejo de la vida real sobre el teatro, que considera caduco y autocomplaciente. Las tablas han abandonado la crítica social y no aceptan la vanguardia. Lejos de Nueva York, el artista granadino desea abrazar la modernidad y la innovación. Anhela romper con los convencionalismos de la escena española del momento, dominada por la estética y valores burgueses. Con La Barraca, con sus textos, Lorca quiere devolver el teatro al público. Al pueblo.

Autor: ¡No me interrumpa!

Espectador 1º: Tengo derecho. ¡He pagado mi butaca!

(Acto I)

Comedia sin título es un drama social inconcluso, inacabado, del que Federico García Lorca tan solo dejó por escrito su primer acto: al poco tiempo de iniciar su tarea, el poeta fue asesinado.. (CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL). 

La queja de García Lorca

Marta Pazos y José Manuel Mora regresan a la última obra de Federico García Lorca, Comedia sin título, la cual únicamente llegó a escribirse el primer de los tres actos. Por tanto, es un riesgo representar un montaje que no llegó a culminarse y no se puede certificar cuáles hubieran sido las palabras del autor. Sin embargo, este espectáculo respeta absolutamente el texto original, apostando más por aquello que podría ser, o no, realizando un primer acto que es todo un homenaje hacia el dramaturgo. La forma en la que se escenifican las inquietudes del granadino dejan una sensación impactante, con firmeza y personalidad. La magnificencia de sus reflexiones sigue siendo un soplo de aire fresco, mantienen intacto la comprensión de un público que la siente suya. Con lo cual, ofrece una materialización de este título inconcluso de una forma excelente.

Una vez pasado el primer acto, se procede a omitirse el diálogo y la palabra, para no profanar la obra original y dejar ese acto al propio García Lorca. Gracias a ello, los asistentes saben que van a asistir una interpretación y analogías entre aquello que se especificó que podría ser la obra y el despliegue artístico con el que se enfrenta a esta ausencia. Por este motivo, no es una pieza para todos los públicos, ya que depende del nivel de compromiso y empatía que provoque en cada uno de los espectadores. Por ello, puede fascinar y horrorizar a partes iguales, lo que indica una estrategia artística fuera de lo común. Y ahí es donde está su mayor éxito, en esa explosión de la simbología, en dar a esos silencios la oportunidad de gritar. Una muestra de cómo la palabra no siempre es un imprescindible.

Las fierecillas domadas

Un elenco formado por actores jóvenes, de menos de 30 años, muestra que la edad no es un impedimento para la madurez artística. Por lo tanto, el nivel, de forma conjunta, goza de una calidad excelsa, viendo sobre las tablas auténtico talento. En primer lugar, Alejandro Jato realiza una labor exquisita, con un porte y una elegancia impresionantes. Además, se acompaña de una energía firme, carismática y con ese enigma que había en el arte de Lorca. También destaca su trabajo a lo largo de la obra, transformando su cuerpo al máximo. Después, Camila Viyuela es una artista excelente, una de las mejores actrices de su generación y demuestra en esta obra por qué. Es un placer absoluto ver toda esa catarsis artística impoluta. Igualmente, Georgina Amorós envuelve su actuación en una naturalidad descarnada y una potencia efectiva. Por lo que, sin duda, consolida su voz dentro del espectáculo teatral.

Koldo Olabarri aborda su trabajo desde una expresividad llevada al extremo, con una medición exacta para no caer en la exageración. Ese viaje hacia el dinamismo exacerbado, le permite explorar matices muy interesantes en el campo dramático. Luego, Carlos Piera pisa fuerte y seduce al espectador con una pasión que le deja exponer distintos prismas de su trabajo. Al final del espectáculo es uno de los intérpretes más memorables. Asimismo, María Pizarro se deja la piel en Comedia sin título. No tiene reparos en ninguna escena y plantea una explosión de sensibilidad y contundencia potentes. Para terminar, al ser un grupo numerosos, hay varios intérpretes que casan con el ritmo de la obra, mientras que otros no terminan por entrar en esta verosimilitud a nivel interpretativo. En consecuencia, brillan por su expresividad corporal, pero les falta mayor verdad.

La plasticidad del símbolo

¿Qué hace diferente a Comedia sin título de otras producciones? Una de las principales razones es apostar por una sinergia de lenguajes artísticos que no son habituales. Desde la performance basada en el movimiento, pasando por la metáfora de los cuerpos hasta la descripción realista de los acontecimientos. Este maremoto de estilos es lo que conlleva a un remolino dramático que habla por sí solo, llevando en cada ejecución implícito el significado de la reflexión sobre las palabras de Lorca. Por tanto, es una propuesta visual en la mayor parte de su esencia, con una construcción sobre el escenario de gran complejidad y movimiento. Por esta razón, hay un trabajo técnico y artístico medido al milímetro, valorándose que no se pierda ningún detalle al azar y todos mantengan la contundencia y estética en coherencia.

El primer movimiento se basa en una realización más en pos de la palabra, acompañándose de una gama de situaciones que dan ese toque de fábula macabra en varios momentos. De esta manera, se convierte en la bienvenida y homenaje a la obra inacabado del poeta y dramaturgo. Así, el espectador entra en ese universo de la crítica del teatro como objeto de entretenimiento y no como cristal de la verdad. Por consiguiente, prepara al público ante unas definiciones menos convencionales del desarrollo de lo que se va a ver sobre las tablas. Después, durante el segundo y tercer movimiento se sucede una desnudez totalmente expresiva, nada vulgar o gratuito, unido a una disposición de coreografías que brillan en su esplendor torrencial. Sin embargo, hay que aceptar que hay algunas imágenes que se repiten en exceso en el escenario, dificultando una fluidez más certera en dichas escenas.

Conclusión

Comedia sin título es un homenaje a la última obra de Federico García Lorca, respetando ese factor inconcluso que forma una parte intrínseca del texto original. Después, se sumerge en una ebullición artística y expresiva, que interpreta las palabras del autor en una sábana de performance impactante. Por tanto, puede ser la pasión de unos y el espanto de otros, una dicotomía pasional. Así también se presenta en su puesta en escena, que realiza una construcción llena de movimiento, de pura construcción en activo y una vertiente artística y estética del alto nivel. Por otra parte, el elenco actoral destaca por unos estupendos Alejandro Jato, Camila Viyuela, Carlos Piera, Georgina Amorós y María Pizarro. Luego, el trabajo global goza de una notable ejecución, con algún intérprete menos acertado dramáticamente. Las lágrimas artísticas transgresoras hacia García Lorca en una composición fuera de lo común que no deja indiferente.

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