Dan Sallitt: "Mi primer amor de cine fue el director Howard Hawks. Él es mi ídolo"

Dicen que Wikipedia no siempre es la fuente más fiable. Pero, si buscas a Dan Sallitt, dice lo siguiente: ‘Crítico de cine, guionista y director de cine norteamericano conocido por su realización con micro-presupuesto y ‘cinéfilo’ de la crítica’. Por tanto, Dan Sallitt es un reconocido realizador estadounidense de cine independiente. Nació en Wilkes-Barre, Pennsylvania, EE.UU., en 1955. Se formó en la Universidad de Harvard y la escuela de teatro, cine y televisión de la UCLA. Trabajó durante años como crítico de cine en Los Angeles Reader. Debutó como director en 1986 con el largometraje ‘Polly Perverse Strikes Again!’. Y con ‘The Unspeakable Act’ (2012) obtuvo un reconocimiento internacional. Ahora presenta en España su último trabajo, Fourteen, cinta que tuvo su estreno mundial en la Berlinale de 2019. Distribuida por Paco Poch, se estrena en cines el próximo 8 de noviembre.

Semanas antes, Cinemagavia tuvo la oportunidad de entrevistar a Dan Sallitt con motivo del estreno de Fourteen. En la entrevista hubo tiempo para todo. Desde analizar la acción de la película, la situación general en la industria, así como declarar su amor al cine. Puedes leer la crítica realizada por Cinemagavia de Fourteen AQUÍ.

Entrevista a Dan Sallitt

Dan Sallitt estrena Fourteen

Carlos Vera/Cinemagavia: Estrenas Fourteen, tu nuevo proyecto. Cuenta una historia sobre el poder la amistad. En ella, dos jóvenes amigas de siempre se comportan diferente con sus decisiones personales a lo largo de diez años. Mara parece muy segura en sus veinte, aunque encara sus problemas con el paso del tiempo.

Sin embargo, Jo es un completo desastre. No puede resolver sus asuntos por sí sola, y siempre vuelve a la vida de Mara de vez en cuando. A pesar de las idas y venidas en su relación de amistad, Mara siempre ayuda a su amiga mientras puede. ¿Crees que Mara se siente en deuda con Jo por lo que hizo por ella cuando se conocieron por primera vez en el colegio?

Dan Sallitt: Mara ama a Jo con locura, con amor incondicional. Ella siente que tienen siempre que volverse a ver, ya que no se ven mucho durante los años. Considero que Mara ama a Jo desesperadamente. Con amor cándido. Siempre lo hará. Ella tiene problemas con Jo en el presente, cree que tiene que distanciarse y eventualmente no se ven mucho. Mara siempre pensará en Jo. Le admira como cuando era niña porque, para ella, Jo era maravillosa y poderosa.

Y Jo también ama a Mara. En realidad, se aman mutuamente. Pero Jo ya no puede funcionar en este mundo y cada vez se hace más difícil mantener esta relación. Es triste, aunque el amor nunca desaparecerá.

C.V./CG: Jo se mete en problemas todo el tiempo, pero ella realmente es adicta a la medicación y otra clase de drogas. ¿Fourteen es una crítica al sistema médico y, en general, al capitalismo?

D.S.: No creo que el mensaje vaya en esa dirección. Los problemas de Jo son más profundos. Ella encontrará problemas por sí misma. Se piensa desesperadamente que las drogas tratan de lidiar con un problema misterioso. Como cineasta, quiero ser misterioso. Puede que haya adivinado qué le ocurre a Jo, pero no quiero ser claro, incluso para mí. Intento esconder cuál puede ser el verdadero problema de Jo, cómo puede ser diagnosticado. En definitiva, que Jo esté irritada con los médicos no significa que la película contenga ira contra los médicos.

Para mí se trata de caracterizar un poco (al personaje), algo que podría darle naturalidad. Ella es inteligente, sabe un montón sobre medicina y sobre el cuidado de personas. Y esto puede ser muy peligroso, ya que se trata ella misma. Y los médicos realmente no pueden ayudarle muy bien. Porque ella siempre cancela la prescripción de los terapeutas, cancela diagnósticos y prueba una nueva (medicación). Básicamente, (la película) trataría sobre el misterio de por qué perdemos a estas personas. Desaparecen y no sabemos que no podemos detenerlas.

C.V./CG: Es un gran trabajo por parte de las actrices.

D.S.: Ambas son muy buenas. Trabajé con Tallie (Medel) antes de que interpretara a Mara, pero con Norma (Jo) era la primera vez que trabaja. Bastante sorprendente. Por cierto, Norma sale en una serie TV (Chicago Med, 2015). Hace unos días, ayer mismo, mirando en Internet, me enteré de que su personaje en esta serie se había suicidado. Había acabado cortándose el cuello, era el fin de su personaje en la serie. Fue desagradable leerlo y horrible saber que, después de tanto tiempo en la serie, su personaje se suicidara entonces. Me sentí mal por ella.

Historias basadas en relaciones sociales y la influencia de la Nouvelle Vague

C.V./CG: Los críticos y periodistas especializados en cine dicen que tu filmografía se basa en relaciones sociales. Parece que la sociología es un gran asunto para ti. ¿Cómo surgió la historia de Fourteen? ¿Te has inspirado en tu propia experiencia, situaciones de tu entorno o es la consecuencia de observar vidas mientras sales a la calle a diario?

D.S.: Son años de experiencias con amigos y personas que conocía un poco, pero no toma nada biográfico ni demasiado real. Básicamente, necesitaba hacer una película que tuviera lugar en un periodo largo de tiempo. Porque sabía que no podía rodarla entera de una sola vez. De modo que rodaría a ratos sin lastimar la continuidad del tiempo, que luciera natural con el paso del tiempo mientras rodaba. Y lentamente surgió esta historia. Tuve una vaga idea de contar una historia sobre alguien que lidiaba cada vez menos con la realidad y que no podía funcionar en este mundo. Pero no supe realmente que tenía una película hasta que imaginé la última escena en la que la niña hace llorar a su madre. Eso es lo que me hizo decidir a rodar esta película.

Después de esto, reescribí el guion y completé los detalles. La amistad y el lento declive de Jo. Tomé prestados algunos hechos reales que aparecen en la película, pero que proceden de más de una persona y no siempre en el sentido más coherente. Tan solo recogí de diferentes lugares que fueron útiles para mí. Me inspira un poco en estos días el director francés Maurice Pialat, y siento que él tenía una manera de reunir ideas sin una coherencia interna. Las colocaba de modo que parecían más reales que si planificáramos cuidadosamente el camino de los personajes de acuerdo con el tema. Me gusta cómo Pialat recogía diferentes partes de la vida y las unía. Así, las contradicciones salen a relucir y los personajes parecen seres humanos.

C.V./ CG: Aunque seas norteamericano, tienes una fuerte influencia de la Nouvelle Vague. Por ejemplo, directores franceses como Eric Rohmer o el mencionado Maurice Pialat han sido siempre una referencia para ti. La mayoría de ellos comenzó escribiendo críticas de cine, fundaron la revista ‘Cahiers du Cinema’ y luego contaron sus propias historias en la gran pantalla. Además, los temas de sus films trataban sobre relaciones sociales. Ni ellos ni tú habéis realizado un film con gran presupuesto porque no podíais permitíroslo. En definitiva, tu filmografía tiene casi un estilo europeo. ¿Estás de acuerdo con esto?

D.S.: Sí, por supuesto. Estoy de acuerdo con eso. Aunque, ya sabes, hay algunos aspectos americanos en la clase de historias que cuento y la manera en que los personajes se comportan. Pero la manera en que trabajo, así como la imagen y sonido que uso, bebe mucho del cine internacional. (Eric) Rohmer es siempre la gran influencia. En cuanto vi películas de Rohmer, instantáneamente pensé, de algún modo, que ese era el estilo de cine que quería hacer. Y nunca me he sentido así con otros cineastas, incluso con mis favoritos. De algún modo, me siento muy relacionado con su manera de crear una atmósfera, cómo usa el sonido, cómo trabaja los diálogos; como si fuera algo más documentado que contar una historia.

En diferentes momentos de mi vida he encontrado siempre personas, como Pialat o Jaques Doillon, que hacían cosas que me parecían interesantes de hacer. Y así es como funciono. Mi primer amor (de cine) fue un director americano, Howard Hawks. Él es mi ídolo, para mí él es el gran director de cine. Pero nunca pienso en hacer una película de su estilo porque simplemente parece imposible. Quizá haya alguna influencia, pero no creo que fuera realizable (una película como Howard Hawks). Cuando pienso en cine americano, eso es lo que haría.

El amor al cine y ser parte de su historia

C.V./CG: ¿Por qué decidiste invertir tu propio dinero desde tu primer film, ‘Polly Perverse Strikes Again!’, para contar historias?

D.S.: ¡No hay elección! O uso mi propio dinero o no hay película. En realidad, no sé recaudar fondos, y no sé darles a mis películas un contexto industrial del cine. Ni siquiera sé si funcionaría bien. Incluso si alguien financiara y me ofreciera una gran estructura de producción. Lo intentaría si sucediese y tuviese libertad (creativa). Simplemente, no tengo esa clase de energía. Realmente, todo lo que puedo hacer es encontrar la energía para hacer las cosas creativas, realizar la película. La idea de salir al mundo y convencer a otras personas para que financien mis proyectos va más allá de mi capacidad.

C.V./CG: ¿Y cuál es el verdadero motivo por el que te mueve a hacer cine?

D.S.: Mi deseo de hacer cine surgió de mi amor hacia películas de otros cineastas. Intenté llevar adelante esa conexión. Para mí, es muy similar mi amor por hacer cine y la historia del cine. Está muy relacionado con mi idea de hacer películas. Y todo lo que quiero de ellas es ser parte del cine. Entrar un poco en la historia del cine y ser parte del mismo. Cuando tenía diecisiete años, entré en una sala para ver ‘Tener y no tener’ (Howard Hawks, 1944).

Después de salir de aquella sala, me convertí en amante del cine, y estuve viendo cientos de películas desde ese instante. Y siempre he seguido viendo montones de películas, y todavía sigo. Quizá no tantas como veía de joven, pero seguro que (veo más que) mucha gente. Y no me gustaría renunciar a eso, perder mi relación con películas de otros cineastas por hacer mis películas. Me gusta que ambas cosas estén en el mismo lugar en mi cabeza.

C.V./CG: Entonces, ¿qué clase de fuerza te empuja a volver a rodar un film y contar historias de nuevo?

D.S.: Si te digo la verdad, lo que me hace volver a filmar de nuevo es el amor propio. Si no hago nada por un largo periodo de tiempo... Ahora mismo, después de rodar Fourteen, hice justo después un cortometraje. Fourteen llevó años hacerla, mucho tiempo. Estoy exhausto. En este momento, no quiero hacer ninguna película más, pero, eventualmente, si espero un poco, empiezo a sentirme mal conmigo mismo si no hago nada. Y empiezo a sentir que podría estar haciendo algo.

Desafortunadamente, me dejo llevar por pensamientos negativos. Me siento incómodo conmigo mismo si no hago nada por mucho tiempo. Eso es lo que me lleva a hacer cosas. Y entonces aguanto la respiración y me lanzo a la piscina. El comienzo es siempre lo más difícil. La preproducción es la peor parte, aunque mejora a medida que la línea avanza. Rodar es mejor que la preproducción. La edición es agradable, la gente coge la película y la coloca en festivales de cine. Esto es mucho más agradable. Así que se hace más fácil. La primera parte es mala.

C.V./CG: De modo que la mejor idea es que siempre decides todo lo que haces. Nadie puede ordenarte a hacer algo.

D.S.: Nadie ha intentado ordenarme a hacer algo. Tampoco creo que pudiera ser capaz. Requiere mucha energía y demasiada ansiedad por realizar la película, un esfuerzo. No puedo imaginar haciéndolo, a menos que lo amara por completo. A menos que pensara que fuera a ser un gran film. Quiero decir, no sé si sería un gran film, pero al menos tengo que pensar que lo va a ser. Intentaría que lo fuera. No me imagino haciendo una película si no me gustara algo de ella. Incluso un proyecto pequeño. Ni siquiera podría ir al set de rodaje si sintiera que algo que fuera a rodarse hiciera peor a la película.

Si disfruto del proceso, y tuviera la capacidad de ganarme así la vida, estaría bien. Si fuera esa clase de persona cuyo trabajo consiste en ir al estudio (de cine), con alguien diciéndote “tienes que hacer esto” y tú pensando “no me gusta esto, pero está bien, es mi trabajo por muchos años”. Eso puede estar bien, pero no me gusta. No he vivido esa experiencia, y no tengo esa personalidad. Siempre necesito hacer algo que crea que es lo mejor posible.

C.V./CG: Siempre pones corazón a tu trabajo.

D.S.: Tengo que hacerlo. Porque si no lo hago, entonces no puedo encontrar la energía para superar este proceso horrible. Porque es muy difícil, y no puedo encontrar esa energía para sobrellevar todo ese sufrimiento a menos que me guste mucho el proceso.

El cine independiente en la era de las plataformas de contenido

C.V./CG: Representas la idea del realizador independiente. Escribes la historia, reúnes al equipo, consigues un crédito bancario y estableces el calendario para organizar el rodaje. Después, los distribuidores compran tu película. Lo que significa que diriges el espectáculo. ¿Crees que el cine indie está en peligro ahora mismo después del lanzamiento de plataformas de contenido como Netflix, Amazon y demás? ¿O, por el contrario, piensas que es mejor que nunca realizar un film de bajo coste, difundirlo y conseguir éxito?

D.S.: Creo que es definitivamente más fácil que nunca hacer cine. Y esto es todo lo que pienso desde el principio. Hice tres películas que nadie había tenido la oportunidad de ver mucho. No accedieron a festivales, nadie se interesó mucho en verlas. Entonces, solo los dos últimos films interesaron más a la gente. Me permitieron salir a recorrer el mundo un poco más. Ahora mismo siento un poco que es muy caro realizar films de bajo presupuesto. Hay ahora ciudades, técnicos, miembros de equipo de rodaje que están acostumbrados a los problemas que tiene un presupuesto pequeño. O puedes reunir a gente alrededor tuyo con muy poca experiencia.

Las películas de bajo presupuesto obtuvieron cierto prestigio, algunos han tenido éxito. Así que los actores están interesados en ellas. Todo está bien configurado hoy en día para que realmente se haga una película. En cuanto al recorrido de una película, es muy difícil para mí decir que no me siento apegado a ninguna forma de ver películas. De todos modos, todo está en Netflix. Puede que yo sea un problema para Netflix, porque puede que no seleccione algunas películas. Pero no creo que (Netflix) se convierta en monopolio. Nunca ha sido posible detener por completo la distribución de películas raras o inusuales. De modo que pienso que siempre habrá alguna manera (alternativa de hacer cine).

C.V./CG: La última frase es esperanzadora.

D.S.: Soy optimista siempre con ese cine. No creo que tenga sentido mirar el pasado y decir que es malo. O pensando que el futuro del cine es sombrío. Se supone que a la gente le encanta el cine. Cualquier película que te guste es suficiente para hacer (películas) y sentirte bien con el cine. La otra noche fui al New York Film Festival y vi dos películas maravillosas en una noche. El nuevo trabajo de los hermanos Dardenne, ‘Young Ahmed’. Y el nuevo film de Arnaud Desplechin, ‘Oh Mercy!’. Ambas fueron muy buenas. Simplemente, no puedes salir después de ver estas películas una noche y sentirte mal por el futuro del cine. ¡Hay tantas cosas por las que emocionarse!

Fourteen, una historia de superación rodada en varias localizaciones en Nueva York

Volvamos a Fourteen. Sallitt comienza a señalar las localizaciones de la película. Point Green, un barrio de Brooklyn, donde él vive y desde donde se comunica. Además, ha rodado en Manhattan. Explica que los personajes viven en diferentes barrios en cada momento de la historia. Algunas imágenes se rodaron en Upstate Nueva York, a unas horas de su casa. Unas tres o cuatro horas.

C.V./CG: Fourteen se rodó prácticamente en Brooklyn, Nueva York. ¿Crees que la historia habría funcionado si la hubieses rodado en cualquier otra parte? ¿O crees que cada lugar tiene sus características sociales y culturales?

D.S.: Es una pregunta muy interesante. Nunca pienso en que siempre asuma que las cosas son universales, porque a mí mismo no me importa si veo una película de otro tiempo o de otro lugar. Me concentro en los aspectos universales de la película. Y las personas tienen valores diferentes, posturas diferentes. La universalidad no cambia para mí. Creo que con un film como este hay ciertas cosas que tienen un significado, son intencionadas. El momento en que Jo y Mara hablan es un diálogo intencionado, que refleja la forma en que las mujeres jóvenes de Nueva York actualmente puede que hablen. O no todo tiene que ser generalizado.

Pero todo es intencionado para que se ajuste al contexto. Si alguien necesita que la película tenga un contexto cultural diferente entonces tiene un problema. Pero creo que el público puede alcanzar las particularidades de la historia más allá y encontrar las cosas más universales. Y pienso que, si no pones estas particularidades o rasgos culturales en la historia, es muy difícil incluso ser universal. Es muy difícil hablar a la gente a menos que haya una base con la realidad.

C.V./CG: Mara trabaja como maestra en educación. De algún modo, ella ayuda a los niños a que no tengan miedo de nada ni nadie, no como ella que sufrió en su infancia.

D.S.: No creo que haya querido hacer una película sobre cómo Jo fue criada. Ella tiene problemas con sus padres. Pero todo el mundo los tiene con sus padres. Le sucedieron ciertas cosas que no estamos en lo cierto, pero ella ni siquiera puede resolverlo por sí misma. Creo que ambas mujeres han tenido una educación similar en algunos aspectos y aun así son muy diferentes. Siempre hay algo de misterio en cómo las personas se forman.

No importa de qué manera lo mires, si (las personas) se forman por circunstancias internas o externas. Puedes ver grandes diferencias en las personas, dependen de cada individuo. Así que no quería culpar a nadie o sugerir que el problema eran los padres. Creo que nunca ha habido un momento en la historia, en una sociedad, que pudiéramos decir que cualquiera es como Jo. Siempre perdemos a algunas personas. Siempre tenemos personas cuyas vidas sufren mucho. Si elimináramos eso, entonces me replantearía mi postura. Pero el modo en que hice esta película, lo siento así. Algo misterioso. En lugar de cualquier crítica, es mi sentimiento.

C.V./CG: Jo es muy egoísta al compartir sus lamentos con Mara, como si le debiese algo a cambio. Hay un cambio de confianza entre los dos personajes durante los años debido a sus experiencias. Mara trabaja como profesora infantil. De algún modo, ella quiere ayudar a que los niños no tengan miedo de nada ni nadie, tal como le ocurrió a ella en su infancia.

D.S.: Creo que Jo a veces se vuelve muy egoísta, tanto como si el mundo fuera incapaz de pensar en otra cosa que no sean sus crisis (de personalidad). Creo que Mara realmente ayuda a Jo a veces, con sus idas y venidas, y muy a menudo. Pero no creo que sea intrínsecamente una persona egoísta. Ella contiene mucho dolor para funcionar adecuadamente y sufre demasiado como para dar a los demás su mejor versión con facilidad.

En cuanto a la razón por la que Mara se convierte en maestra, si te digo la verdad, no especulé sobre ello. No transmitiría las experiencias de Mara como un trauma o al menos cualquier cosa que le hubiese ocurrido. No conozco la relación. Y lo mismo pasa con Jo. Recuerda que en la gran escena en la cual Jo llora y habla sobre su infancia. Ella misma no encuentra razones. No mira su pasado por una razón, (no encuentra) una explicación. Y ella es inteligente y no puede encontrarla. Nunca ha estado capacitada para encontrar (la explicación). No podría resolver qué le sucedió y por qué cambió. Y qué puede hacer al respecto. Durante esa conversación, la conclusión es extraña. Y dice que la única cosa que recuerda es la muerte de su gato.

Luego, más tarde, vemos que Mara le da a Jo una foto de ella con su gato. Y ella ni siquiera reacciona con viveza. No creo que (el problema) sea el gato. Si hay una razón (sobre su crisis) no podemos contarla. Si hay algo, no podemos verlo. Jo no puede contarlo y nosotros creo que tampoco.

C.V./CG: En otra entrevista mencionas que decidiste hacer esta película con Tallie Medel cuando estabais rodando vuestra colaboración anterior, ‘The Unspeakable Act’ (2012). Ella actúa tan natural como Mara, así como Norma Kuhling haciendo de Jo. ¿Qué importancia tiene para ti que Tallie y Norma interpreten estos personajes tal como los escribiste?

D.S.: Para mí siempre es importante que el film se parezca a mi plan. Porque todo está planificado con cuidado, y me entristecería si cambiasen por completo, si las cosas afectaran a su flujo. Pero no se inclinan a hacer eso. A ellas les gusta que haya un guion. Les gusta que (el personaje) esté basado firmemente en la realidad del guion. Entonces, desde ahí, ellas inventan. Y creo que ambas tienen el mismo sentimiento.

Ellas pueden ser muy originales. Hay escenas enteras en las que Tallie improvisaba, sobre todo (en la escena) con la niña. Pero ella improvisaba sobre la base del guion. Usaba el guion como una fuente. Y creo que a ella le gusta hacerlo así cuando consigue un buen guion. A Norma le gusta igual cuando hay un buen guion. Es tan firme al guion que piensa cómo interpretarlo en líneas individuales.

Puedo contarte que en el set de rodaje ella se comportaba de manera que le daba vueltas a cada línea de guion. Pero creo que ambas actrices disfrutan con la fuente del guion. Es muy raro encontrar a actores que no les gusten ser restringidos por el guion. La mayoría lo aprecia por líneas. Mientras tengan algo de libertad creativa sobre la interpretación del personaje, no creo que los actores realmente quieran a menudo alejarse del guion y cambien (al personaje) por completo.

El placer de escribir críticas de cine

C.V./CG: Como sabemos, empezaste tu carrera escribiendo críticas de cine en L.A. Reader hace mucho tiempo. Y continúas haciéndolo en tu propio blog y otros medios. Así que conoces muy bien ambos lados de la noticia. ¿Qué te gusta más? ¿Ver películas y escribir sobre ellas? ¿O prefieres realizar películas, como Fourteen?

D.S.: Preferiría escribir sobre cine, porque entonces no tendría que hacerlas. Por supuesto, ver películas es muy divertido. Escribir sobre películas es difícil pero no tanto, y disfruto con los resultados. Y lo hago por placer. Cualquier día no tendré nada que hacer. Tomaré (nota de) algo que haya visto recientemente y escribiré un poco sobre ello. Obviamente, esto es mucho más divertido.

Pero si veo el panorama general de mi vida e intento comprender qué me hizo sentir que valiese la pena, si te digo la verdad, no fue la crítica. Es la realización de cine. Sí que aprecio el hecho de escribir sobre cine, pero las películas que he realizado me han hecho pensar cuando he reflexionado sobre mi vida. Si en mi lecho de muerte me pregunto qué fue de mi vida, pensaré que hice algunas películas. Así lo pensaré. Así que, obviamente, realizar cine es muy importante para mí. Pero, en términos de placer, hacer cine ni siquiera es divertido.

C.V./C.G: Al hilo de tu faceta como crítico de cine, has escrito en tu blog sobre el nuevo film de Tarantino. Me pareció curiosa la expresión que usaste para definir al público que le gusta un estilo de cine determinado. ¿Qué significa el concepto de ‘público inscrito’?

D.S.: Es una buena pregunta. Y la expresión puede usarse libremente. Tengo algunos amigos, grandes pensadores del cine, a los que no les gusta esta frase. Creo que la película a veces muestra signos de que se han hecho con cierta respuesta prevista. Y si haces algo así en el film, y claramente incluyes un efecto intencionado particular, entonces estás haciendo suposiciones sobre la clase de público al que te diriges. Incluso, en pequeñas formas, toda película con público inscrito puede decir a menudo cómo reacciona supuestamente.

Las pistas en el film son evidentes. En cuanto a (la película de) Tarantino, la pista puedes verla cuando complace en cosas que otras personas no lo harían. El público inscrito de Tarantino no es alguien que quiera llorar por la violencia al final de la película. Que quiera sentir una cosa terrible, que sienta dolor por la gente que muere. ¡Ese no es su público inscrito! Su público inscrito se complace con esas escenas. Es muy fácil de contar. Esa escena es comedia y no tragedia. Le gusta y le hace gracia. Y (Tarantino) es más violento que nunca porque es mucho más duro, piensa que, si te gustan, es un buen momento para rendir homenaje a las verdaderas películas violentas.

De algún modo, el film en sí mismo puede tener pistas como esa. Algunos directores, quizás unos tanto como otros, aunque no quiero decir que cada realizador muestre lo que hace tanto como otros. Pero creo que el concepto de “público inscrito” tiene que ver con las pruebas que extraemos de la película, cómo ciertas causas supuestamente tienen un efecto sobre nosotros.

C.V./CG: Muchos redactores de Cinemagavia quieren seguir formándose en cine. En mi caso, estudié Derecho. Por favor, Mr. Sallitt, te pediría que dieras algún consejo como ejemplo que eres para nosotros. Gracias y buena suerte.

D.S.: No sé si querrás tomar consejo sobre mi carrera, ya que sigo con un trabajo diario. A la edad de 64 años sigo ganando dinero para hacer algo más. Pero creo que está bien especializarse en Derecho o cualquier cosa. No siempre aprendes lo que crees que vas a aprender en cursos de estudios cinematográficos.

La mayoría de nosotros hablamos hasta cierto punto. Depende del individuo, pero creo de verdad que, una vez te has sumergido en la historia del cine, te pasas la vida tratando de extender los horizontes que puedes apreciar. Quizás uno busque películas que solo le gusten por algo particular y no le gusten otras. Puede que sean buenas, pero no podemos apreciarlas. Deberíamos pasar el tiempo tratando de salir fuera de nuestras reacciones iniciales y hacernos un poco más grandes y encontrar experiencias que no apreciábamos. Aprender sobre ello. Esto es lo mejor para un escritor de cine. No quedarse en el interior de nuestra mente. Aun así, es muy difícil salir de ahí. Pero al menos que se intente.

Filmografia de Dan Sallitt en IMDB