Sala Cuarta Pared apuesta por la VII edición del Festival de Teatralidad ESSENCIA para su programación de diciembre

El Festival ESSENCIA 2021 comienza este 2 de diciembre hasta el 18. Organizado por la Sala Cuarta Pared, es la VII edición de este certamen de teatralidad.

Festival ESSENCIA 2021

Del 2 al 18 de diciembre, tendrá lugar en la Sala de Teatro Cuarta Pared el Festival de ESSENCIA 2021, organizado por la propia sala.

En su 7ª edición, el festival contará con una programación dividida en cuatro bloques temáticos o formales: lo político, los cuerpos, la participación y un último que gira alrededor de la obra de Roland Schimmelpfennig.

La esencia del Festival ESSENCIA 2021:

"¿Cómo cuentan los cuerpos? ¿Por qué meter la política en el teatro? ¿Si participo en un espectáculo soy público o creador? ¿Puede haber muchos autores en un solo autor?

Seguro que en esta edición de ESSENCIA FESTIVAL DE LA TEATRALIDAD te surgirán preguntas como éstas y muchas más. No te preocupes, en el festival también podrás encontrar respuestas. Porque te recordamos que ESSENCIA es un festival hecho a la medida de gente como tú, que después de asistir al teatro se queda con ganas de saber más.

En estos últimos tiempos, creadores y creadoras se han rebelado contra el cierre de los teatros y han buscado soluciones imaginativas ante la sequía teatral que se planteaba. Pero siempre hemos tenido claro que las alternativas nunca podían sustituir el disfrute, el gozo de sentir la presencia de otro a nuestro lado en la experiencia compartida que es el teatro. Nada podía sustituir el encuentro.".

Javier G. Yagüe (director de la Sala Cuarta Pared y del Festival Essencia)

El encuentro teatral

"Festival ESSENCIA 2021 es un festival para el encuentro. Quienes hayan seguido las seis ediciones anteriores lo saben. Encuentro entre público y artistas. Entre quienes quieren saber más sobre lo que han visto y quienes pueden responder a sus preguntas. Encuentro entre los que no se conforman con ser sólo espectadores o espectadoras y quienes pueden satisfacer su curiosidad. Esta es una edición especial para el festival, porque este año, especialmente, hemos echado de menos el encuentro.

Este año insistiremos en nuestras pesquisas sobre la esencia del teatro y seguiremos indagando sobre la esencia de diferentes lenguajes. El teatro político, el teatro físico y el teatro de participación serán los protagonistas de la programación en esta edición. ¿Existe algo común en ellos, esencial al teatro, a pesar de su diversidad?.

Además, este año tendremos un ciclo dedicado a un autor inabarcable que merece la pena explorar y desentrañar. Roland Schimmelpfennig es sin ninguna duda el autor teatral alemán contemporáneo más representado en el mundo. Y, sin embargo, sigue siendo un autor mayoritariamente desconocido tanto para el público como la profesión teatral española. Para contribuir a que no siga siendo así, queremos aportar nuestro granito de arena.

Y, por último, sólo recordaros que después de disfrutar cada estreno, como ya es habitual, habrá un encuentro con los creadores y creadoras de las piezas. Para que las preguntas que os ronden por la cabeza puedan obtener respuesta; para que después de ver, podamos hablar y pensar el teatro. Porque el encuentro, como decíamos, es la esencia del Festival ESSENCIA.".

Javier G. Yagüe (director de la Sala Cuarta Pared y del Festival Essencia)

La teatralidad de lo político: Ingovernables

Sobre el espectáculo:

Ingovernables es un recorrido por los diferentes espacios cotidianos que conforman una de las problemáticas más importantes generadas a partir de la crisis global de 2008. La propia caída del mercado inmobiliario dio pie a una nueva fase del capitalismo financiero, centrado una vez más en un derecho básico de las personas: la vivienda. Pero las normas han cambiado. Y con esto se ha expandido un fenómeno, que aunque ya existía, ahora se ha vuelto más voraz y agresivo: la destrucción del territorio y la transformación del mismo sobre la base de su rendimiento económico. Esto es, turistificación, gentrificación, expulsión de vecinos y vecinas de sus casas y barrios, y el sacrificio de parajes naturales y rurales bajo la apisonadora del falso ídolo: el progreso o, lo que es lo mismo, la rentabilidad, el negocio.

A través de textos ácidos se crean situaciones hilarantes que retuercen la muesca de cinismo que impera en el mercado. A través del movimiento y la danza política, se representan los flujos de personas que pierden su medio de vida, su vivienda y su dignidad. La precarización narrada a través de los ojos de las que la sufren. Y, también a través de los ojos de los que obtienen beneficios a su costa.

Esta obra llega para poner serias dudas sobre la mesa, cuestionarnos el por qué y tomar conciencia que somos muchas, que quizá en el fondo no están tan seguros sobre sus torres de marfil. Sólo tal vez. Para plantearnos que tal vez, y sólo tal vez, aún tenemos las fuerzas para dar guerra.

Envuelta en el ritmo trepidante de trompetas, sintetizadores y sonidos de excavadora, la música en directo trepa el espacio escénico. Siete intérpretes en escena defendiendo las palabras y los gestos que acompañan al movimiento.

Sinopsis

Un homenaje a las que han luchado para defender el territorio, la huerta, el derecho a vivir en paz. Y a las que han perdido. A las que están por venir, y que ya llegan. Y en la esperanza de que en un mundo sin plan B, encontramos salidas a la devastación depredadora del capital. Dedicado a todas las vecinas que luchan para defender el territorio y proteger la vivienda.

Sobre la compañía

Atirohecho, compañía de teatro físico-político, es un artefacto escénico de Carla Chillida y Elías Taño que comienza a principios de 2011. Yarima Osuna y Margarida Mateos completan la milicia.

En Atirohecho rescatamos la aproximación y el interés hacia los trabajadores, hacia los protagonistas de la historia. Ya sea en la Guerra Civil o en el 15-M, como sucedía en “Ladran, luego cabalgamos”, o en la sociedad chilena del 73 en “Donde las papas queman”. Sin perder por ello la ilusión, el sentido del humor y la rebeldía, que están presentes en todos nuestros montajes. Llevamos a cabo un trabajo en el que nos aproximamos a temas y autores que nos interesan, y que creemos que también pueden interesar a otras personas; a partir de los cuales se mezcla la investigación histórica, las canciones y la música de determinados momentos y lugares, los acontecimientos sociales y políticos… con el lenguaje teatral, la danza, el vídeo o la ilustración.

Atirohecho en su décimo aniversario de existencia, cuenta con 8 espectáculos de gran formato y varios de corta duración. Contando en su haber con diversos premios y reconocimientos en el panorama cultural valenciano y nacional.

Cuerpo - Territorio - Propiedad: Taller de teatro físico-político a cargo de Atirohecho

Sobre el taller:

Taller participativo de formación e investigación que va dirigido a personas interesadas en las artes escénicas: estudiantes o que pertenecen a colectivos sociales relacionados con las problemáticas de urbanismo y defensa del territorio.

El laboratorio escénico pretende poner en duda todas las verdades absolutas instauradas en las artes escénicas y en la cotidianidad. Parte desde la premisa del diálogo con el entorno y de la relación de las artes vivas con el individuo.

La dominación y resistencias del colectivo serán la columna vertebral del espacio escénico.
Se tratará el tema del engaño desde el punto de vista de la educación, de la historia, de los intereses, de la manipulación mediática… pero no solo eso, sino que también se trabajará desde un punto de vista más constructivo y práctico, como es el de la dosificación de la información en las artes escénicas y la necesidad de utilizar un cauce óptimo, aunque sea un cauce por descubrir y no prestablecido. El objetivo final es el de realizar una reflexión en la puesta en escena y ponerla en común.

Trabajo horizontal

Nuestra manera de ver la escena como compañía se basa en el trabajo horizontal y de creación colectiva, si bien existe la figura de la directora para unificar o hilar en algún momento la dramaturgia escénica, con la estética Atirohecho, compartimos algunas características con otros colectivos escénicos:

El énfasis en el actor/actriz como creador/a, en lugar de como intérprete.

El proceso de creación es un trabajo colaborativo.

El proceso de práctica es somático.

La relación escenario-espectador es abierta.

En resumen, el taller ofrecerá y creará ejercicios escénicos que planteen o reivindiquen nuestras problemáticas de clase, en relación a la especulación urbanística, al derecho a la vivienda y el territorio. La relación del actor/actriz con su espacio de creación, con los y las otras, así como con los objetos que pueda encontrar en escena, quedará así, permeada por este cuerpo poético.

La teatralidad de los cuerpos: 'Los lunares del puma' + 'We are just okey'

Un programa doble de Adrián Vega, coreógrafo especializado en post Hip Hop, con dos piezas: Los lunares del puma y We are just okey, en el Festival Essencia.

Los lunares del puma

En la actualidad ser streamer es algo común, nuestra relación con las cámaras pertenece a lo cotidiano, compartir nuestro proceso es el día a día y por ello Adrián Vega aprovecha la cercanía de lo digital para explorar el formato de videoblog performativo, donde lo virtual y lo presencial convergen para estimular la curiosidad. Los Lunares del Puma es una experiencia voyeur donde podemos entrar a la sala de ensayo de un artista.

Los lunares del puma es el proceso de escucharse a mí mismo, de escuchar su sonido, de entender la interculturalidad y el patrimonio corpóreo y sonoro que se ha generado en él gracias al encuentro con la danza. Los lunares son un hábitat, el puma es su adolescencia, le han dado acceso a poder entender los códigos del Hip Hop. Su post adolescencia me ha brindado una perspectiva contemporánea desde donde puede observar, convivir y dejar que el puma mire y se relacione con los flamencos.

We are just okey

En apariencia abstracta, We Are Just Okey, es un abanico de relatos, sugerencias, ideas y reflexiones que exigen la complicidad e imaginación del que mira. La propuesta se construye a partir del concepto de la caída y evoluciona hacía el sonido del impacto y las calidades del abismo; la pérdida de la verticalidad, el cansancio, la transformación donde aparecen nuevas acciones en relación a la caída que tienen que ver con colocarse, lanzarse y tirarse.

Sobre Adrián Vega

Adrián Vega es coreógrafo graduado en el Institut del Teatre, profesor invitado en el conservatorio profesional de danza de Barcelona y se considera un artista post Hip Hop que trabaja desde la danza, su interés y quehacer coreográfico reside en la hibridación y especulación de los lenguajes del movimiento. En este espacio es donde se siente más cómodo para generar patrones de improvisación y composición instantánea que ha recopilado de las danzas urbanas, la danza contemporánea y el flamenco. Su trabajo se centra en la relación que tenemos con el suelo, la inversión del cuerpo, la belleza de los efectos visuales y la exploración del sonido.

Des-espera

Sobre la pieza:

Des-espera es una pieza de danza-teatro de Les Impuxibles y Marc Soler creada de a partir del disco de Clara Peya, AA. – Analogía de la A-mort, (2019. Satelite K©)

Dos intérpretes enfrentadas, Ariadna Peya y Helena Gispert, viajan a través de cinco piezas musicales dibujando escenas con el cuerpo, el gesto y la palabra. Una propuesta intensa que nos muestra la fragilidad y la fortaleza a través de una poética desnuda, enérgica y personal. Así llegan al Festival Essencia.

Sinopsis

Des-espera habla de vivir en contradicción y de la aceptación de esta contradicción como camino para crecer.

Habla de lo que se espera de nosotros, o de lo que no se espera.

Des-espera habla de encender y apagar, agitar y calmar, herir y curar, esperar y desesperar.

Sobre la compañía

Les Impuxibles es la fusión artística de una pianista y una bailarina; una fusión que contiene la potencia de la calidad artística de cada una por separado y la armonía del vínculo que nos une. Son Clara y Ariadna Peya; hermanas, creadoras e intérpretes.

Les Impuxibles trabaja la mezcla de lenguajes; una investigación que fusiona música y movimiento con otras disciplinas escénicas, una investigación que no termina y que les ha conducido hacia la construcción de un lenguaje propio. Por eso siguen apostando por la cooperación y las alianzas entre creadores y universos para descubrir nuevas formas de creación y poder llevar más allá su trabajo.

«El compromiso social ha hecho crecer en nosotros la necesidad de utilizar el arte como altavoz de denuncia y cambio social.»

Creaciones: "FAM" (2021), Des-espera (2020), "Suite TOC núm 6" (2019), "Painball" (2018), y "AÜC, el so de les esquerdes" (2017).

Ariadna Peya

Formada en danza (Barcelona, Madrid, Nueva York, Londres, Berlín, Tel-Aviv, La Habana y Salvador de Bahia). Ha trabajado como bailarina en musicales: «Grease, el musical de tu vida», «Flashdance» y «Vinegar Dances».

Coreógrafa y asesora de movimiento de distintos espectáculos; “Madres e Hijas” (David Pintó y Clara Peya 2015), “Nine” (Mariona Castillo 2015), “Hombres oscuros” (David Pintó y Clara Peya 2016), “Lluvia” (Guillem Albà y Clara Peya 2016), “Calma! ” (Guillem Albà, 2019), Yo voy conmigo (Paco Mir 2020) » Puertas Abiertas (Abel Folk). Bailarina de “La Partida” de la cía. Vero Cendoya.

Es cofundadora de la compañía de teatro-danza y música en directo Les Impuxibles, creadora e intérprete de todos sus proyectos. Lleva dieciocho años en la docencia. Ha impartido cursos en Cataluña, Madrid y en La Habana.

Directora artística y coreógrafa de videclips como «Mujer Frontera y «Niña» de Clara Peya, «Canta» de Judit Neddermann o «Good Girl» de Clara Gispert. Coreógrafa el cortometraje de Estrella Damm “Álex y “Júlia”. Directora coreográfica del musical “El despertar de la Primavera” (Origen produccions 2016-2019 Teatre Gaudí-Teatre Victòria).

Directora coreográfica de «Maremar» de Dagoll Dagom, (Teatro Poliorama 2018-2019).

Helena Gispert

Formada en danza contemporánea en Area, espacio de danza y creación y en la Cobosmika Junior Company. En sus años de formación participa en distintos workshops y seminarios con docentes y artistas nacionales e internacionales.

Su debut como bailarina intérprete profesional fue con Painball (2018) de Les Impuxibles. Éste fue el trampolín para trabajar con compañías como La Intrusa danza (Niágara-2019- y It’s a Wrap2020-) y Miquel Barcelona (Kórps-2019-). En su interés por las diferentes disciplinas escénicas, fue una de las intérpretes de Maremar (2020), un musical de Dagoll Dagom.

Actualmente está inmersa en los procesos de creación de "Harakiri" (Les Impuxibles), "Prusik" (La Intrusa danza) y "Rojos" (Miquel Barcelona).

La teatralidad de la participación: 'Juego de niñas'

V Aniversario del espectáculo:

Juego de niñas se estrenó en Valencia, en 2016. Siguió rodando en 2017 y llegó a Barcelona. Rodó un año más y llegó a Santiago de Chile, a Lima y a Sevilla para recoger un premio Max. Y rodando llegamos a 2019, 2020, un pequeño parón pandémico, y nos encontramos en 2021 con que ha ocupado escuelas y teatros tanto de grandes ciudades como de municipios pequeños para hablar de los miedos, de la sobreprotección y de la falta de comunicación. Pero nunca en Madrid. Hasta ahora, que celebramos cinco años de Juego de niñas en el Festival Essencia. Las puertas de nuestra escuela se abren en la calle Ercilla de Madrid. No faltéis a la reunión.

Sobre el espectáculo

En Juego de niñas se omite el uso de gradas o patio de butacas del teatro y se introduce al espectador en el mismo espacio escénico o escenario, con la escenografía adaptada para convertir el lugar de representación en el aula de una escuela.

Ubicada en una escuela infantil, Juego de niñas pone en escena una reunión de padres, un encuentro de familiares y docentes donde el público está inmerso. Juego de niñas trata sobre los miedos y las expectativas de los padres en el momento de dejar a sus hijos en la escuela, hecho que desemboca en una sobreprotección desmedida hacia los niños. La pantalla del teléfono móvil sustituye a la comunicación de proximidad y puede conducir a consecuencias fatales simplemente por un simple y malentendido juego.

Sinopsis

Juego de niñas es, precisamente, un juego donde se muestran los miedos y las expectativas de los padres a la hora de dejar a sus hijos en la escuela. También los miedos que tienen estos niños -transmitido en ocasiones por los padres- de no sentir la aprobación de sus compañeros, de sus padres o sus profesores. Y también, el miedo que sienten estos últimos a causa de la sobreprotección, cada vez más desmesurada, hacia los niños. En definitiva, una situación en la que la falta de comunicación entre padres, hijos y profesores puede convertirse en malas acciones o puede quedar nada más que en un juego que se ha mal entendido.

La crítica ha dicho

“Excepcional” Nel Diago (Cartelera Turia)

“Muy Valiente es Joc de xiquetes […] Inspirada en un suceso real, cuestiona las contradicciones hipócritas de la educación, familiar y escolar. Los padres también son responsables de sus deficiencias. Tensión de miedos cotidianos.” José Vicente Peiró (Las Provincias)

“Lo que parece una comedia ligera con un involucramiento moderado del público cambia vertiginosamente hacia el drama.» Eduardo Lores (El Comercio)

“En Joc de xiquetes, el público somos la Sociedad como testigos y testimonios de un caso humano que no envuelve y nos obliga a entrar en territorios poco amables que están en nuestra realidad más immediata, aunque nos cueste verlo, reconocerlo, asumir que existe. El texto del dramaturgo y director Adrián Novella transparenta talento y una extraña sabiduría dada su juventud […] Novella con su propuesta de dirección, permite el vuelo de unas actrices y unos actores preparados para realizar cada noche una dramaturgia distinta pero con el mismo recorrido, pues cuando estás de público, eres un personaje de la obra. […] Un gran logro.” Laura Freijó (The Lesbian Sisters)

Sobre la compañía

Textos propios, libertad creativa para los actores y potenciar la relación con el espectador, éstos son los tres ejes que guían la carrera de Bullanga Compañía Teatral. El inconformismo podría ser un cuarto.

Debutaron con una obra inspirada en un cuadro del pintor valenciano Antonio Fillol Granell (La Gloria del pueblo, 2014), le quitaron el sable de luz a Luke Skywalker para dárselo al Segismundo calderoniano en "El sueño de las galaxias" (2015), viajaron a San Petersburgo para celebrar el aniversario masivo de la matriarca de una familia rusa con "Maruschka. Comèdia russa sobre la nostra terreta" (2015. Premio Micalet de Teatro 2017.

Se encerraron en una escuela para diseccionar el comportamiento humano en "Juego de niñas" (Premio Max del público 2018), abrieron las puertas y mostraron las miserias de un pacto político a la ciudadanía en "El Pacto" (2018. Candidata a los XXII Premios Max a mejor texto y espectáculo revelación.

Finalista en la categoría de mejor actor en los II Premios de les Artes Escénicas Valencianas), endulzaron al público con un viaje de aceptación llamado "El niño que quería una falda escocesa" (2019. Premio de Teatro Infantil Escalante), y continúan hablando con ternura del tiempo y la familia con "Los Novios" (Premio Micalet de Teatro 2019 y Premio Teatro Autor Exprés 2019 de la Fundación SGAE).

Un recorrido por el que han ido, con el tiempo, apostando por formas nuevas de percibir y consumir el teatro, para conseguir que el público forme parte de la ficción, recordando que bullanga significa tumulto, bullicio.

Taller de dramaturgia para la inclusión del espectador: impartido por Adrián Novella (Bullanga Compañía Teatral)

Sobre el taller:

Existen una infinidad de estilos, métodos y esquemas para escribir y dirigir textos dramáticos pero, ¿cómo desde la dramaturgia puede construirse una obra de teatro en la que el personaje ficticio y el espectador cohabiten en un mismo espacio y sean capaces de relacionarse? ¿Cómo se puede conseguir, desde el texto, que el espectador entre, literalmente, en el juego dramático? ¿Cómo pueden directores/as y actores y actrices ensayar sin el público con el que va a trabajar?

Durante este taller, Adrián Novella mostrará su experiencia con el teatro en el que el espectador es uno más y las pautas que sigue al crear un texto dramático que tiene como fin incluir al espectador en la trama.

Put your hands up

Sobre el espectáculo:

Put your hands up es una pieza procesal e interactiva. Una pieza que discute sobre la idea de comunidad y su relación con la violencia y el capitalismo tras la aparición de la digitalización. ¿De qué manera podemos estar juntos en el Siglo XXI?

A partir de la idea de “webbing” (Alessandro Baricco, 2017) se despliega un dispositivo escénico que, a modo de rizoma, hace convivir la metaficción literaria con un concierto de trap y un scape room. Todo ello para discutir sobre el poder simbólico del mundo digital y sus videojuegos. Así, llega a Festival Essencia 2021.

Sinopsis

Más de 700.000 japoneses se han encerrado en sus hogares, y no saldrán en años, debido al colapso que la globalización produce en sus identidades. Ellos son los Hikikomoris. ¿Qué ocurre dentro de sus dormitorios? Noodles, videojuegos, extraterrestres, hentai. En Put your hands up, reflexionamos sobre la idea de comunidad en su relación con la violencia y el capitalismo. Un concierto de trap que discute sobre el poder simbólico de la colonización espacial, el antropoceno y sobre uno de los grandes problemas del siglo XXI: la comunidad y la globalización.

Put your hands up es la última partida del Hikikomori antes de su encierro final. Estáis todxs invitadxs.

Sobre la compañía

Spam. Please. Enter está formada por Ramón Gázquez y Cristian Alcaraz, quienes se interesan por las tendencias estéticas dentro de la metamodernidad y la alteración dramatúrgica producida por digitalización. Han recibido diferentes apoyos a la creación como Residencia de investigación de Centro de Danza Canal, apoyo a la creación de Centro Cultural Conde Duque o Compañía Residente en Teatro Cánovas (Junta de Andalucía).

Ramón Gázquez

Doctor por la Universiteit Gent en creación, critica y reflexión teatral (2019), Licenciado en Historia del Arte (Univ. de Málaga) y en Dirección escénica y Dramaturgia (ESAD de Málaga) y Máster en Investigación en Artes Visuales por las Universidades de Barcelona, Girona y Granada, ha sido seleccionado en la Biennal de Venecia para realizar workshops junto a Jan Lauwers (2015) y junto a Roger Bernat (2016). Entre sus reconocimientos cabe destacar el V Premio de investigación ‘José Monleón’ de la Academia de Artes Escénicas de España.

Cristian Alcaraz

Graduado en Dirección escénica y Dramaturgia por la ESAD de Málaga y Máster en Desarrollos sociales de la cultura artística, ha publicado los poemarios Turismo de interior (La Bella Varsovia), III Premio de poesía joven Pablo García Baena, La orientación de las hormigas (Renacimiento), ganador del premio Andalucía Joven “Desencaja” e Individuo armado (Ed. Letraversal).

La teatralidad en Roland Schimmelpfennig

Muestra de los Laboratorios de investigación y creación ETC en colaboración con el Instituto Goethe también formarán parte del Festival Essencia.

Presentación:

Durante dos meses, cuatro equipos formados por más de veinte personas, en el marco de los Laboratorios ETC de Cuarta Pared organizados en colaboración con el Instituto Goethe, han explorado la obra de Roland Schimmelpfennig a través de cuatro de sus obras. En este ciclo, presentarán los resultados de su investigación y sus reflexiones sobre el lenguaje teatral del autor mostrando algunos fragmentos de sus obras.

Sobre la residencia artística Universo Schimmelpfennig

Un universo tan rico como (todavía) inexplorado.

Con más de cuarenta obras traducidas a diferentes idiomas y estrenadas en más de cuarenta países, Roland Schimmelpfennig es sin ninguna duda el autor teatral alemán contemporáneo más representado en el mundo. La falta de traducciones de su extensa obra y el todavía escaso número de representaciones en los escenarios de nuestro país ha llegado a provocar ciertas lecturas que han terminado por asentar una serie de estereotipos abiertamente erróneos a la hora de dimensionar o encasillar el teatro de Schimmelpfennig dentro de una corriente concreta, llegándole a etiquetar como un autor únicamente posdramático. Dicha clasificación limita enormemente el conocimiento de la poética del dramaturgo alemán. Una limitación que afecta en una doble vertiente:

1. Cómo se lee su obra: de qué forma son percibidos tanto por el público como por los dramaturgos españoles los mecanismos de una escritura que se aleja de la “pureza” del modo dramático para abrirse a la integración con otros modos como el lírico o el épico.
2. De qué manera se trabaja escénicamente su teatro: la escritura de Schimmelpfennig es enormemente desafiante tanto para intérpretes como directores que quieran llevar a escena sus propuestas. ¿Cómo hacer que las imágenes escénicas y las imágenes mentales (proyectadas en la cabeza del espectador mediante la palabra emitida por los actores-narradores) dialoguen entre sí sin anularse? ¿Cómo estructurar ese flujo palabra-imagen de manera que la acción no solo no se detenga, sino que se intensifique? ¿Qué recursos tiene un actor para dotar de dramaticidad a los elementos épicos insertados en los textos de Schimmelpfennig? ¿Cómo puede un director hacer que los tres modos -épico, lírico y dramático- se integren en una propuesta orgánica y viva sobre las tablas?

Exploración

Estas y muchas otras preguntas son las que se han habitado y explorado.

Durante dos meses, cada equipo se ha convertido en un crisol de ramas artísticas en las que han aportado sus respectivas miradas creadoras. A cada equipo se le asignó una línea de investigación que se corresponde tanto con una de las cuatro etapas que marcan la evolución estilística de Schimmelpfennig, como con una serie de elementos formales a investigar.

Idomeneo (Primera etapa)

Este equipo, formado por dos artistas audiovisuales (Enrique Piñuel y Julián Fuentes) y dos intérpretes (Elena Esparcia y Eric Ruiz), ha trabajado con una obra de la conocida como “etapa muniquesa” de Schimmelpfennig. Aquí la línea de investigación se ha centrado en la relación entre imagen escénica e imagen mental (teatro de la imagen, artes visuales, etc.), tomando como material de partida el texto Idomeneo.

Antes / Después (Segunda etapa)

Este equipo formado por dos bailarines (Sergio Jaráiz y Nataliya Andrú), una coreógrafa (Julia Nicolau) y un dramaturgo (Sebastián Moreno), ha trabajado con una de las obras que caracterizan la eclosión internacional de Schimmelpfennig y su personal estilo dramatúrgico. La línea de investigación aquí es doble: el tiempo como motor compositivo y escénico (cómo se trabaja con él desde la escritura hasta la puesta en escena) y cómo habitar físicamente el espacio generado mediante la palabra (interpretación, corporalidad, gestualidad, danza, etc.). Aquí el texto utilizado ha sido Antes/Después.

El dragón de oro (Tercera etapa)

Este equipo formado por una directora (Rakel Camacho) y tres intérpretes (Javier Pérez-Acebrón, Carmen Mayordomo y Sanna Toivamen), ha trabajado con el juego y frontera entre narración, interpretación y performatividad (dramaturgia actoral, dramaturgia rapsódica, etc.) que marcan la tercera etapa de Schimmelpfennig. Por ello la obra escogida ha sido El dragón de oro, texto que marca ese salto evolutivo en su trayectoria.

El gran fuego (Cuarta etapa)

Este equipo, formado por un compositor (Enrique Vaz), una dramaturga (Ruth Rubio) y dos intérpretes (Julia Monje y Ricardo Barrul), ha trabajado con la etapa actual de Schimmelpfennig, poniendo el foco en dos líneas que actualmente marcan su producción teatral: el debate de la dicotomía o complementariedad entre narración y acción (dramaturgia), y la aplicación de estructuras musicales (como la forma sonata) a la dramaturgia: sus “partituras de imágenes” (tanto narradas como interpretadas). El gran fuego es el texto en el que se basa este trabajo.

Universo Schimmelpfennig

Creación conjunta de todos los equipos participantes sobre las líneas temáticas y estilísticas que entrelazan los textos trabajados en los laboratorios. Una inmersión en el autor, su lenguaje y su estilo.

FUENTE DPTO. DE COMUNICACIÓN DE SALA CUARTA PARED

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