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Top 5 Cinemagavia 2018 | "Tres Anuncios en las Afueras" y "Hereditary"

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1 enero, 2019

Comenzamos el año 2019 publicando nuestro Top 5 Cinemagavia 2018. Una clasificación de las mejores películas estrenadas en España durante los doce meses del año pasado. La clasificación final está realizada en base a las diferentes listas realizadas por cada miembro de nuestra redacción.

Cada redactor de Cinemagavia ha elaborado una lista con sus 5 mejores títulos del año 2018. Cada uno de ellos ha sido puntuado de la siguiente forma: el primero con 5 puntos, el segundo con 4 puntos, el tercero con 3 puntos, el cuarto con 2 puntos y el quinto con un punto.

Resumen

1 Top 5 Cinemagavia 2018

Top 5 Cinemagavia 2018

Tres Anuncios en las Afueras. Primer puesto. 48 puntos

Preámbulo

El ganador de un Oscar por el cortometraje “Six Shooter” (2004), el británico Martin McDonagh, prosiguió su filmografía con los largometrajes, manteniendo en las narraciones su peculiar sentido de humor negro, y concediendo a los personajes protagonistas una dudosa linea de conducta a la hora de conseguir un objetivo, siempre involucrados en alguna actividad ilegal o medida inapropiada. Primeramente con “Escondidos en Brujas”(2008), luego con “Siete Psicópatas” (2012) y ahora con Tres Anuncios en las Afueras.

La Historia

Una estupenda Frances McDormand en su mejor papel en la pantalla desde “Fargo” (1996), interpreta a Mildred, una madre que acaba tomando una actitud inusitada tras meses de espera y de ver como la investigación por la muerte de su hija no avanza y todavía no hay rastro del culpable. Siete meses atrás, Mildred perdió a su hija víctima de un brutal crimen que sacudió la ciudad. Como el caso estaba siendo dejado de lado tanto por los medios de comunicación como por la propia policía, ella decide alquilar tres vallas publicitarias para presionar al sheriff (Woody Harrelson), que aparentemente parece estar demasiado relajado y poco involucrado en la resolución del asesinato.

Sin embargo, el Sheriff Willoughby reacciona y se reúne con Mildred para explicarla que lo ha intentado todo, además de pedirla que retire los carteles porque no se siente con fuerzas para batallar ya que se muere de cáncer. Mildred se niega, una decisión que, en un principio, pudiera verse como de una mujer sin corazón, fría, enseguida comprenderemos que la realidad es muy diferente, simplemente no puede permitirse el lujo de ser amable. Vemos a una mujer que lo ha perdido todo, a su hija, a su marido, ahora saliendo con una estúpida adolescente de 19 años y, a su hijo, enojado, porque las vallas le han vuelto a reabrir las heridas por el recuerdo de su hermana. De ahí que, a nuestra anti heroína Mildred, solo le quede la ira y mantener el asesinato de su hija públicamente.

Magníficas interpretaciones

El siempre carismático Woody Harrelson, interpreta al poli bueno, el jefe de policía Willoughby, una figura incorruptible de Ebbing, ciudad pequeña perteneciente a Missouri. Por lo tanto, es visto como un hombre ejemplar y muy respetado por los habitantes de la localidad, por lo que el gesto de Mildred, se convierte en todo un escándalo público y desata la ira de la comunidad y de su ayudante, el oficial Dixon, interpretado extraordinariamente por Sam Rockwell (el poli malo). La interpretación de Woody Harrelson brilla a una gran altura aunque ligeramente por debajo de Rockwelly McDormand.

Dixon es un sujeto torpe, racista, homófogo y completamente inmaduro. Sam Rockwell aporta profundidad a un personaje que sería un arquetipo de villano en cualquier otra película. Sin embargo, Martin McDonagh consigue realizar un increíble ejercicio de contorsionismo en el guion para jugar de manera prodigiosa con la evolución y el desarrollo de este personaje, como si se tratara de un fascinante truco de magia. La presencia de Sam Rockwell centra toda la atención de la pantalla cuando McDormand no aparece en escena.

Tres anuncios en las afueras atrapa al espectador desde un inicio por su impecable desarrollo narrativo. Apenas se siente el peso de la película en las espaldas de la actriz Frances McDormand, a pesar de que acapara cada plano, cada escena con su espectacular interpretación, debido a que está muy bien arropada por un vasto elenco de buenos actores. Alejada de lo políticamente correcto, Mildred es todo un ejemplo de mujer batalladora que cree en sus convicciones y no teme nada.

Los personajes de McDonagh están maravillosamente dibujados, todos, incluso los personajes secundarios, son ambivalentes, tridimensionales y van más allá de los clichés con los que inicialmente fueron creados. A través de diálogos absolutamente magníficos, inteligentes y dolorosamente honestos.

Tres Anuncios en las Afueras

La venganza puede traer consecuencias inesperadas. Mildred Hayes ha sido violentada y debe ser expiada. No utiliza armas para castigar a los perpetradores, sino tres grandes vallas publicitarias. Ella no utiliza las balas para combatir sino las palabras. Las comparaciones con thrillers donde el tema de la venganza está encima de la mesa son obvias, sin embargo McDonagh intenta transmitir en Tres Anuncios en las Afueras un sentido de la venganza diferente a lo acostumbrado en películas sobre este género. Durante mucho tiempo, el cine estadounidense nos ha enseñado que la violencia es la mejor arma para hacer justicia. Martin McDonagh no está muy convencido de ello y encontró una manera magistral de compartir sus dudas.

Al mismo tiempo, Tres Anuncios en las Afueras, es una película donde se hace una sutil crítica al abuso de poder de las fuerzas policiales estadounidenses, las cuales parecen demasiado ocupadas haciendo la vida imposible e insoportable a las personas de color, en lugar de preocuparse por mantener la ley y el orden. El personaje que mejor encarna la ambigüedad de la relación de los estadounidenses con su fuerza policial es el interpretado por Sam Rockwell que aparece (al principio al menos) como un individuo particularmente detestable.

Martin McDonagh siempre da el tono correcto en su acto de equilibrio narrativo, por lo que ni una sola de las chispas humorísticas parece fuera de lugar o inapropiada.

Al principio, Tres Anuncios en las Afueras es irónico, mordaz e incluso con escenas que provocan risas, mostrando el ser bondadoso de los habitantes de Ebbing. Posteriormente, la película se convierte en el pensamiento lógico de la inutilidad de la violencia. Para llegar al final, donde varios personajes soportan un dolor emocional y físico extremo. En el desagradable y sangriento desenlace hay momentos de expiación y redención.

Conclusión

En realidad, Mildred más que buscar la venganza quiere justicia, sin embargo, McDonagh, no ofrece respuestas ni salidas fáciles. Como resultado, la confusión y sobre todo la reflexión por parte del espectador, persistirán después de finalizar la película. Un final abierto pero completamente satisfactorio que nos invita a sopesar la forma de ajusticiar a los delincuentes en nuestra sociedad. Sin lugar a dudas, estamos ante una de las mejores películas del año.

Crítica de Eduardo Gil

Hereditary. Segundo puesto. 44 puntos

Artefactos sospechosos

De vez en cuando podemos asistir a la introducción de ciertos artefactos que cambian la configuración de la realidad. La película de Ari Aster podría ser uno de estos sospechosos artefactos. Sembrando una discordia entre cierta casposa crítica cinematográfica y aquellos cinéfagos consumidores de las mal llamadas películas de género. La película se sitúa en medio de un debate que hace tiempo debería haberse acabado: el de la validez del cine de terror. En primer lugar resulta agotador apelar a la calidad y validez de las cintas de género.

Hereditary

El terror se sustenta en la propia validez de éste y su capacidad catártica ¿Podemos negar qué el terror es una emoción configurantes de nuestra personalidad? Por otro lado, desde algunos sectores de la crítica especializada se ha intentando deshinchar este hype creado por la canónica: quesireferenciasporaquí, quesiestosehahechoya, quenoesparatanto… es decir una defensa del género que equivocadamente ataca a la notable cinta.

Cuestión de género

Cuesta hablar de todas las partes que componen el rompecabezas de Hereditary. Durante las dos horas de metraje el director juega con el género y la trama: ¿es un drama, una película de casas encantadas, una película sobre la locura, qué es? Esto hace que se la película se convierta en una herramienta de doble filo. Pese a que desde mi óptica personal la película fluya adecuadamente y apenas note los tumbos, esta cualidad puede sacar a algún que otro espectador de la película. Hereditary derrocha una energía desbordante, Aster quiere contar muchas cosas en el metraje no siempre con un buen resultado.

Lazos que atan

El propio título del film nos da una gran pista de la temática tratada. Y es que la cuestión de la herencia es el eje principal de la trama. Tenemos la óptica de la herencia como una maldición inexorable, casi biológica. Una temática heredada de la tradición gótica que se actualiza ágilmente. Parece que la demencia de la anciana fallecida es heredada por el personaje de Annie, una herencia que puede dañar a su descendencia.

Hereditary

Entre la llamada trilogía de “La Continuidad de la Sangre” del actor brasileño José Mojica Marins y la versión ficcionada de “El Desencanto” se mueve Hereditary. Como en una novela de Zola, nos preguntamos si Annie será capaz de escapar de su herencia.

Magia en miniatura

Uno de los grandes aciertos del artefacto es la construcción de un increíble mundo personal. Annie se dedica a hacer esculturas en miniatura de escenas cotidianas. Miniaturas que replican la casa de la película y escenas que complementan el pasado de la familia. Jugando así con la idea de que nuestros personajes son solo los juguetes de una casa de muñecas. Los extraños ídolos creados por Charlie nos transporta a una realidad oscura vertiente de Svankmajer. El artífice de este diseño artístico se debe a Steve Newburn que trabajó también en “Team América” y en la serie de “12 Monos”.

En último lugar hay que destacar la gran elección de la casa. Tanto su localización en medio de la nada como su diseño. Un diseño que funciona como laberinto y con el que Aster juega continuamente durante la película.

Rituales cotidianos

La magia está presente en Hereditary. Si analizamos la película nos damos cuenta que la película esta llena de rituales. Rituales que configuran y sustentan una realidad. Rituales que deben ser destruidos a través de la magia. La magia entendida al modo de Austin Ospare como una voluntad de cambio. Los protagonistas son incapaces de salir de una ritualística automática salvo en los desmesurados momentos dramáticos.

Un drama hiperbolizado y sarcástico representado por una cabeza desmembrada. Una cabeza decapitada como la de San Juan Bautista. Una decapitación precedida del ritual: voluntad, poste eléctrico, coche, envenenamiento, la droga, la tablet, el cine mudo y la noche. Rituales que intentan cambiar otros rituales, magia y tecnología. Este artefacto muestra más de lo que parece.

Conclusión

Cómo hemos mencionado al principio de la reseña, es inabarcable tratar la totalidad de Hereditary. Temas como la interpretación de los actores, el tratamiento del drama y el terror… van a quedar relegados a cualquiera de las miles de reseñas escritas. Hemos preferido hablar de otra visión o interpretación de la película. Una visión que se podría resumir en que Hereditary nos ha flipao.

Crítica de David Domínguez

Cold War. Tercer puesto. 36 puntos

Situemos la acción

Al comienzo de Cold War con la Guerra Fría de por medio vemos constantemente un camión recorriendo el árido paisaje de la Polonia de posguerra, en busca no de personas, lugares o propiedades, sino de sonidos y música. Un acordeón, una ruidosa gaita, la canción de una solitaria niña. Todo se captura en una grabadora, o más bien, se custodia, como si de una valiosa materia prima se tratase. El material recopilado aparece como una masa multiforme, difícil de encontrar un claro significado para ser utilizado con un propósito determinado.

El pianista Wiktor (Tomasz Kot) es una especie de investigador en el terreno musical. Poco después del final de la Segunda Guerra Mundial, Wiktor junto a su colega y amante Irena (Agata Kulesza) recopilan por todo el país canciones populares tradicionales con una grabadora. Con todo el material recopilado como base, fundan un conservatorio y convocan ensayos entre los campesinos y trabajadores de la zona. La idea es encontrar a jóvenes cantantes y bailarines con talento para subirlos al escenario.

Cold War

A continuación se crea un coro, con la intención de llevar la música tradicional de la población rural y montañosa polaca a las ciudades e incluso de gira por el extranjero. Los bailes se ensayan en una antigua casa señorial, medio destruida.

Entre los jóvenes que solicitan ser admitidos en la Academia se encuentra Zula (Joanna Kulig), que tiene un talento musical extraordinario, pero cuyo pasado tiene una oscura sombra. Rápidamente Wiktor se quedará fascinado y prendado con ella por su naturaleza rebelde y su canto.

Promocionar canciones populares y tradicionales

La finalidad del proyecto de Wiktor e Irena está encaminado a promocionar canciones populares y tradicionales en el olvido, y de esta manera, enriquecer la vida cultural del país. Además, intentar devolver a Polonia su identidad nacional, utilizando la música popular para conectar con las personas. Sin embargo, el partido pronto reconoce el potencial propagandístico de los sonidos patrióticos y tendrá otros planes más oportunistas…

El retrato de este meticuloso y mecánico proceso de investigación y selección, sobre el que las restricciones políticas, culturales e históricas marcadas por el establishment, parecen actuar más allá de las decisiones y la voluntad de los individuos involucrados en el proyecto, es, uno de los aspectos más destacados, interesantes y efectivos de Cold War.

Un amor imposible

Durante más de dos décadas, la historia de amor filmada con seductoras imágenes en blanco y negro, sigue a la pareja que, a pesar del gran muro que atraviesa y divide a Europa, no puede alejarse el uno del otro. Su destino está determinado por la agitación existente en la historia polaca reciente y, al mismo tiempo, refleja las duras restricciones de la política cultural bajo el periodo de Stalin, el deshielo en la época de Krushchev y el renovado endurecimiento en los años sesenta.

En este contexto, Pawlikowski explora las emociones de la pareja de manera radical, pero siempre con ternura, delicadeza y afecto. Una pasión destructiva que se prolongará durante más de quince años en Berlín, París, Yugoslavia y con muchas elipses cinematográficas precisas y perfectas.

Cold War

Al igual que el folklore se ha convertido en un instrumento de propaganda durante el periodo de la Guerra Fría, la relación entre Zula y Wiktor es de desconfianza mutua, de lucha permanente, sin esperanza de resolución o cumplimiento.

Si alguien piensa que un amor como el descrito en Cold War, tan apasionado y al mismo tiempo tan destructivo, es imposible su existencia, al final de la película tenemos una sorpresa. Pawel Pawlikowski dedica esta película a sus padres.

Maravillosa fotografía en blanco y negro

La nueva película de Pawel Pawlikowski tiene mucho en común con “Ida” (2013): la trama está ubicada en el periodo de la Guerra Fría, y vuelve a repetir como responsable de la fotografia, Lukasz Zal. Las hipnóticas imágenes vuelven a estar filmadas en blanco y negro casi cuadradas, en las que los personajes a menudo se pierden en las líneas y formas rígidas de su entorno. Este formato implica menos detalles.

El ritmo también es muy rico y elíptico: las escenas a menudo se interrumpen bruscamente, se reducen a miradas, gestos y frases individuales por el cambio abrupto y los saltos en el tiempo.

Cold War

En Cold War, Pawel Pawlikowski, logra crear una atmósfera infinitamente sensual y cautivadora, gracias a sus imágenes en blanco y negro cristalinas en formato 4: 3, entremezcladas con interludios musicales. Un hermoso espectáculo, que consigue hacer de las canciones populares polacas representadas por el coro, una música armoniosa, agradable y melódica a los oídos del espectador. A destacar, casi siempre en primeros planos, a una bella Joanna Kulig, que en muchos momentos nos hará recordar a la gran Jeanne Moreau.

Punto y final

Pawlikowski es un maestro de la omisión. Cada una de las secuencias de la película se da en otro lugar, a menudo uno o dos años después. Y siempre de una manera completamente natural y espontánea.

Pawel Pawlikowski consigue plasmar en tan solo 85 minutos un preciso y enormemente conciso retrato de una trágica, tormentosa e imposible historia de amor en el entorno de la posguerra. Las escenas y los diálogos están tan estéticamente comprimidos y condensados, y el montaje está tan sumamente apretado que Cold War te dejará casi sin aliento y conmovido al ver como esta pareja va directamente hacía el abismo.

Todo esto hace de Cold War un drama elíptico enormemente denso, cautivador, envolvente y estructuralmente melodramático. Una película con mucha música, jazz, imágenes maravillosas, poderosas y conmovedoras, personajes legendarios y grandiosos más de cine que de la vida cotidiana. En definitiva, cine en estado puro, se respira cine por los cuatro costados.

Crítica de Eduardo Gil

Un lugar tranquilo. Cuarto puesto. 19 puntos

Una experiencia acústica

Se inventó el 3D para que el espectador tuviera la ilusión de estar en la película. Se probaron dispositivos para que pudiera experimentar los olores del filme. ¿Realmente quedaba algo que nos pudiera sorprender? John Krasinski tenía la clave, y la respuesta es un rotundo sí.

Un lugar tranquilo

En Un lugar tranquilo, el silencio es el hilo conductor de la narración. Si te oyen, te cazan. La ausencia de sonido durante las escenas de mayor tensión no hace sino acrecentar la angustia del espectador, que siente, padece y se sienta desgarrado por dentro como los protagonistas. Esto no sería posible sin unas soberbias interpretaciones, destacando Emily Blunt en el papel de una madre superada por las circunstancias.

Emotividad comedida

Un lugar tranquilo busca que te remuevas en el asiento, que te sobresaltes con los contrastes entre ruido y silencio y sobre todo, conmoverte. Utilizando una emotividad comedida mediante la relación entre padres e hijos, no se deja llevar por sentimentalismos fáciles.

Un lugar tranquilo

Más allá de una historia de terror es una historia humana, donde las criaturas son y no son las protagonistas.

Conclusiones

Un lugar tranquilo es una película angustiosa en la que sus 90 minutos de duración terminan quedándose cortos. Una experiencia única que te hará ver el cine de terror con otros ojos.

Crítica de Lucia Pradillos

Roma. Cuarto puesto. 19 puntos

Ciudad de México… 1970

Estamos en la Ciudad de México y es el comienzo de los 70’s. En la colonia Roma entramos al hogar de una familia de clase media con cuatro hijos: Toño (Diego Cortina Autrey), Paco (Carlos Peralta), Pepe (Marco Graf) y Sofi (Daniela Demesa), unos padres en conflicto; Sofía (Marina de Tavira) y Antonio (Fernando Grediaga) una abuela; Teresa (Verónica García) y dos muchachas de servicio que son parte de la vida de la familia; Adela (Nancy García García) y Cleo, (Yalitza Aparicio). Cleo es la nana de los niños y es el luminoso, atrayente y vivo eje de la historia.

Roma

Inmersos en el día a día de esta familia vamos a encontrar los recuerdos, sabores, sin sabores y nostalgia de toda una época.

Aunque Netflix la lanzará mundialmente en su plataforma, siendo una obra de arte, Roma resulta magnificada en la pantalla de un cine; así que si está en tus posibilidades hacerlo (al menos en todo México hay muchísimas) trata de verlo en una sala de cine. Lo vas a agradecer.

Ecos filmográficos sigilosos

Alfonso Cuarón entrega Roma su obra más personal y a la vez más compartida por toda una generación. Porque aunque existan casi cincuenta años de diferencia “parece que fue ayer”, porque los sonidos y la memoria prevalecen.

“La Roma” es la colonia de la capital del país donde Cuarón creció, y en esta obra Alfonso se reencuentra con sus orígenes y los ecos de su propia filmografía se entreveran sigilosos para colorear el suspiro del recuerdo.

La historia visual de Alfonso

Desde los surgidos de los problemas amorosos como en Sólo con tu pareja y Grandes esperanzas, para al mismo tiempo llevarnos a explorar el mundo de los niños y adolescentes con una cercanía contundente y desenfadada, (Alfonso tiene un don para ello) y eso lo hemos visto desde La Princesita hasta Harry Potter y el prisionero de Azkaban o Y Tu Mamá también y luego… se acerca al misterio del embarazo y la zozobra como en Los hijos del hombre.

Roma

Aún más, en un guiño evoca Gravity mientras literalmente (por segunda vez dentro de la película) vemos cine en el cine, si esto no es escuchar los ecos de su obra reflejar infinitamente la memoria y entregarnos los recuerdos, no se qué más pueda serlo.

La eterna niñez

Alfonso Cuarón se enlaza con todos, porque toca ese tiempo en el que la vida era algo que nunca se olvida. No importa cuántos años pasen, no importa el lugar del mundo, no importa lo que los adultos digan, la niñez será ese recuerdo de ojos brillantes, risa fácil y sabor a golosinas.

En el regazo del recuerdo

Cuando jugabas con pistas de carreras eléctricas en casa, con amigos de verdad ahí sentados gritando y emocionándose en vivo, no con “emojis” o “gifs”, cuando comías los auténticos “gansitos helados”**. Un tiempo en el que las nanas eran realmente parte de la familia y se heredaban de generación en generación. Nanas que eran autoridad y aliado. Consentidoras cuando los padres se enfadaban y que hablaban de otros lugares, otras lenguas, otras historias.

Era fácil reír

Aquel tiempo en el que la televisión se veía en familia y la oferta era extraordinaria en variedad. Con programas como el que aparece en la cinta, en el que los cómicos no necesitaban recurrir a la vulgaridad, ni al doble sentido para lograr la risa, tal vez porque la sociedad era más cándida o porque en verdad era fácil reír simple y llanamente.

Roma

Aquel tiempo en el que los cines eran enormes y había permanencia voluntaria. En el que se oían aún series radiofónicas, de aventuras o radionovelas, herencias del boom del radio en los 40’s y 50’s.

Con amor… para Libo

La universalidad de Cuarón es que, siendo un trabajo tan personal, no toma la figura de un niño para hacer girar el relato en torno a él, sino que en una rendición de cariño lo hace para su nana: Liboria Rodríguez “Libo” y de una manera completamente natural y suave se enfoca en Cleo y en la vida alrededor: La madre y su torpeza automovilística, el padre lejano, los hermanos alegres, ruidosos, traviesos, la abuela que vive en la misma casa, y hasta “Borra”, el perro.

Yalitza Aparicio, brilla!

Por demás está decir la magia que Aparicio proyecta en pantalla, con la inocencia fresca y ávida de una niña que no imagina lo que puede suceder después de “Entrenas diario?” el reflejo absorto y real de esas miles de jovencitas de pequeñas comunidades que llegaban y llegan a la gran ciudad buscando trabajo, donde el reflejo seductor de las luces y la vida urbana las engulle.

Acariciando el recuerdo

Roma es el relato de la vida como la conocemos, con los problemas de cada día, con los pleitos entre hermanos, la salida a la escuela, al mercado, al cine.

Roma

Con esos recuerdos compartidos Cuarón se deleita y nos deleita dándonos un enlace instantáneo porque el relato de la real coexistencia humana posee toda la gama que se acaricia en cada fragmento de Roma.

Antes de que el internet nos quitara el rubor

Cada partícula de la atmósfera de la casa está cuidada, desde los muebles y objetos hasta las etiquetas de los productos que salen en alguna escena. La música y las identificaciones de las estaciones de radio o el programa que se ve en la televisión, los autos, la apariencia de las fachadas de las tiendas, la ropa y hasta los kioscos de revistas donde las portadas de las “publicaciones para adultos” ruborizaban y creaban el morbo de los adolescentes de antaño. Antes, mucho antes de que el internet nos quitara el rubor para siempre.

La increíble polifonía urbana

Y así, desde el silbato del carro de camotes ***, o el del “afilador”****, el pregón de un hombre que vende miel de casa en casa, el redoble de una banda de guerra de una escuela pública que desfila, o la campana que anuncia el camión recolector de basura, lanzan sus acordes y sus notas mientras que todos los demás sonidos urbanos transcurren al unísono dentro de la polifonía a la que estamos tan acostumbrados y de la que no somos plenamente conscientes.

No hay silencio absoluto

Al mismo tiempo en el que alguien habla por teléfono, alguien más enciende una radio o un auto, pasa un avión, se escucha un claxon o ladra un perro… y todo sucede junto y el soberbio sonido de la película da cuenta de ello (el silencio absoluto es la excepción) todo esto es el palpitar de la existencia que forma esta intrincada sinfonía que es el soundtrack de algo que llamamos “vida urbana”.

La visión como forma de arte

El recuerdo y la sensación de nostalgia son engrandecidas con una portentosa foto en blanco y negro que la coloca desde ya como un clásico y por el tono remite sin duda a las cintas neorrealistas.

Roma

Auténticamente cada cuadro es una obra maestra en texturas, ángulos, composición y profundidades, cada detalle es cuidado hasta el delirio.

Transformándose en co actor

Alfonso Cuarón nos ha dejado claro en otras ocasiones que le gustan los plano secuencia y los retos técnicos y en esta obra no iban a faltar, planos fotografiados exquisitamente por el ojo del propio director/escritor, y una pulcritud técnica al máximo, que logran sin esfuerzo que nos convirtamos en co actores presenciales en una dimensión paralela que se ubica geográficamente en la memoria y dentro de una ciudad que está ahí. Con seres reales, vivos, a los que rozamos en muchos sentidos y cada roce es un estremecimiento profundo.

Los Ojos de Cleo

El aire alrededor de Roma es tan íntimo, tan familiar, que encarna lo “normal” sin avergonzarse de ello, lo mismo el limpiar el piso, lavar la ropa, ver la tele, o escaparse con el novio al cine; todo es esa parte quintaescencial de la vida, donde hay momentos de dicha y momentos de tensión.

Roma

Roma es delicadamente humana y tan cercana que su corazón vibra a cada segundo en los ojos de Cleo que no se cansa de ver la vida en cada una de sus manifestaciones: desde el rubor de un cuarto de hotel del centro, hasta los campos que le recuerdan a su pueblo, el bramido de la tierra en un temblor, la incertidumbre de saberse “de encargo” o la terrible sorpresa que la deja pasmada ante la represión que observa desde lo alto, la luz cegadora de un quirófano o la tarde que se filtra en el asiento trasero de un galaxy.

La vida de diario, es sabia

Todo es un gran telar, un gran bordado donde se teje la vida… y la vida normal no está llena de secuencias de acción, de drama o de comedia, es suficientemente sabia como para nunca propasar los límites y otorgar siempre mucho de todo: las emociones fuertes y los misterios por resolver pertenecen un poco a la ficción; Roma mira a otro lado, al hecho de ver a los ojos a sus protagónicos, concentrándose y sin perderlos de vista, cuidándolos siempre.

La fuerza del mar no es más grande

No podemos dejar de respirar cada imagen desde los ojos de Cleo y no podemos impedir que nuestra alma la acompañe a cada paso, acostando y levantando a los niños y cantándoles en su lengua materna, pero también nos entregamos con ella a la fuerza del mar, venciendo todos los miedos e incapacidades, impulsada por ese amor a su familia que nos doblega finalmente, sin protesta, ante la vida común… mientras regresamos de ese viaje a la playa.

Finalmente… el arrullo

A qué huelen tus recuerdos? a qué sabe tu memoria?, cómo se escucha el eco de tu pasado? Si los sueños se atesoran y se reflejan en una baldosa que se limpia, en la cual se mira el cielo mientras la baña el agua y un avión es capturado por segundos mientras pasa de improviso; entonces el sueño se escapa y se transforma en una realidad en blanco y negro completamente nostálgica, íntima, que habla lenguajes secretos que solo entienden los soñadores, susurra juguetona mientras sin prisa es mecida en los brazos de la nana.

Crítica de Fabián Quezada León

**Gansitos: (pastelito relleno de crema y mermelada de fresa cubierto de chocolate, cuyo giro mercadotécnico fue imponer que “congelados como paleta” era la nueva manera de consumirlos). Incluso en algún tiempo incluían un palito de madera en el empaque.

*** Carrito de camotes: en varios sitios de la república aún se puede encontrar a un vendedor ambulante empujando su carrito donde arde carbón que produce el vapor que da el sonido. Al camote se le baña con miel de agave o leche condensada azucarada.

**** Afilador: Oficio ambulante que se dedica a sacar filo a cuchillos, tijeras etc, que usa una flautilla para anunciarse mientras camina por las calles.