"Yerma": Vacía esperanza hacia la farándula del que dirán

Yerma tiene un único proyecto en el que se entremezclan el deseo personal y el mandato social de ser madre, es la tragedia en la que Lorca desarrolló con mayor amplitud y relieve un tema central en su obra: el de la esterilidad y la fecundidad. Sobre la protagonista proyectó, sin duda, un problema personal íntimo. Pero el alcance de la obra rebasa la significación en dos direcciones: la universal mítica, apoyada en la creencia de que la fecundidad es una forma de salvación, y la específicamente española.

Es una revisión muy personal, muy amarga de esta obra de Federico García Lorca, donde me centro sobre todo en el personaje del propio autor, que sueña ser Yerma, su protagonista. Es una autobiografía reflejada en lo que él es, por ser hombre, un hombre Yerma. El deseo de parir o amamantar a su criatura mezclado esto con el baile Flamenco, la danza Urbana, la palabra de texto con actores. Digamos que es un musical en toda regla. (TEATRO LA LATINA). 

La performance de Amargo

La tragedia de Yerma vuelve a la vida en la visión de Rafael Amargo, que se mete en la piel del propio Federico García Lorca. Con esta nueva versión, se analiza la figura de la mujer y la maternidad, pero al mismo tiempo se hace un simil con el propio pensamiento del autor. Asimismo, para esta versión, no lo plantea desde el dramatismo absoluto y la aridez que deja el sufrimiento de la propia protagonista. Lo lleva por los mares de una comedia histriónica, donde Amargo tiene la oportunidad de convertirse en el maestro de ceremonias de un espectáculo rocambolesco en el que no se posa tanto en la propia narrativa del texto original. Por tanto, hay esa socarronería propia del artista, que sabe hacerla llegar a los espectadores, despertando en ellos la simpatía. Seguramente, por contratiempos en el montaje del día 20 de diciembre de 2020.

Ya en el diálogo del principio, en especial por los tiempos que corren para el bailaor, se hace un pulso a las habladurías, a las suposiciones y a las creencias. Esa idea particular va navegando a lo largo de la obra, fijándose en la propia figura de Yerma. Aun así, hay partes en las que se busca una explicación que se basa en la performance, en lo que se quiere transmitir con el cuerpo. En consecuencia, hay una parte donde los espectadores que no terminan de conectar con esa parte experimental de Amargo y se echa en falta mayor concreción de los acontecimientos. En cambio, para otra, es una celebración del dadaísmo, de una versión alocada y sin búsqueda de la verosimilitud, sino basándose más en el sentir y la crítica social de los sentimientos encontrados.

Sara Vega y el sino

Rafael Amargo es el intérprete que se convierte en el nexo de unión de todos los artistas que hay en escena. Por ello, el granadino se queda en un plano menos protagonista, para favorecer al conjunto. Aun así, sus aportaciones basadas en lo deslenguado, en esa ironía traviesa, sabe sacarles partido. Su mayor riesgo viene en el último acto, donde clama el legado de Lorca. No obstante, la dicción a veces se ve opacada por la intensidad del momento y no se comprende todo lo que se dice. A pesar de ello, sabe controlar las tablas y ejerce de director de orquesta entre todos aquellos que van apareciendo en escena. Luego, Dani Navarro recoge el testigo de Amargo, con una exposición de su talento, un porte señorial y sabe dejar salir ese atractivo seductor ante los espectadores.

Otra de las protagonistas de la obra es Sara Vega, la cual se deja el alma sobre el escenario y no escatima en entregar todo su ser a la pieza teatral. También tiene una frescura y una visceralidad, que la convierte en la mejor actriz del proyecto, sin duda. En su expresión se puede leer ese dolor tan anclado en la figura de Yerma. Asimismo, es frágil y rota, a la vez que vigorosa y energética. Además, esa pasión se observa tanto en la forma de expresar las palabras como en el propio baile y en cómo se mueve sobre las tablas. Esa presencia escénica hace que la pieza mejore, gracias a su manera de afrontarlo. Lo mismo ocurre con el coro flamenco, que tienen esa gracia y ese poderío, que se conjuga a la perfección con el estilo y la identidad de la obra.

El flamenco urbano

Una de las curiosidades que invade Yerma es la mezcla de conceptos, algo habitual en la carrera artística de Rafael Amargo. Gracias a esa incorrección de estilos y la ruptura de lo estipulado hace que llegue a un carácter más experimental. Por un lado, se fomenta y se subraya la potencia del propio flamenco, que se ve encauzado en las escenas que se procesa un duelo expresivo arduo. La coreografía en este estilo expone la calidad de Rafael Amargo. De igual manera, la puesta en escena goza de una metáfora visual interesante. Sin embargo, la irrupción de lo urbano, de lo moderno no fluye todo como pudiera y se queda en una posesión más abrupta y menos consolidada. No significa que esté mal planteado, pero falta una cohesión entre un estilo y otro para triunfar en ambos sentidos.

El ritmo va fluctuando según va transcurriendo la obra, no quedándose estática, lo que da vida al relato. No obstante, el conflicto que surge son aquellas partes que dejan cierto desconcierto en el espectador. Aunque se sabe que no quiere una comprensión fija, superficial, que quiere hablar desde el sentir, a veces se pierde en ese misticismo estrafalario. Lo excesivo resulta hilarante en ciertas ocasiones, pero en otras no sabe controlarlo y se desboca. Por lo que, el montaje deja un vaivén sensitivo, que podría canalizarse hacia una muestra artística menos deconstruida. Aun así, puede deberse a los fallos técnicos que se han mencionado antes. Por lo cual, nadie quita las intenciones que hay detrás, pero ese terremoto expresivo puede llegar con un templo y un leitmotiv conjunto que eleve más el resultado en sí.

Conclusión

Yerma es una visión distinta del clásico de Federico García Lorca, llevado por una fantasía rocambolesca, pasional, socarrona y dadaísta de Rafael Amargo. En su dramaturgia se siente el espíritu del dolor, del deseo, de la habladuría, del orgullo… Sin dejar apartado el humor. Luego, Sara Vega es el gran descubrimiento de la obra, demostrando el gran talento que tiene sobre las tablas, con una Yerma totalmente brillante. Por otro lado, la propuesta escénica es una mezcla de estilos, donde destaca el flamenco, aunque lo urbano no encuentra su camino. También hay elementos metafóricos visuales muy elegantes, que muestran que hay un potencial que se podría explotar más. Una tormenta creativa que clama el legado de la tragedia de Lorca con una incorrección irreverente muy personal.

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