La III Edición del Festival de Cine por Mujeres llegó a su fin el pasado 15 de noviembre de 2020. Ha sido una de las entregas más peculiares de la vida del certamen, con el trasfondo de la pandemia de la COVID-19. A pesar de ello, han mostrado una gran valentía al seguir realizando el festival de forma presencial, con participación de Filmin y una selección de títulos muy variada. En esta ocasión, el Festival de Cine por Mujeres 2020 ha contado con dos categorías en competición. Por un lado, la Sección Competitiva contaba con 11 títulos inéditos en España, o en Madrid. Mientras que la segunda era la Sección Panorama de Directoras Españolas, que han sido 16 largometrajes los que se han podido ver en el Festival de Cine por Mujeres 2020.

En Cinemagavia os traemos 29 películas del Festival de Cine por Mujeres 2020, ordenadas de mayor a menor nota, la cual descubriréis en cada una de sus críticas completas. Además, tampoco se diferencian por categorías. Es decir, no se toma en cuenta si pertenecían a las secciones en competición, o el resto de categorías. De esta manera, os recopilamos las críticas que hemos hecho durante el Festival de Cine por Mujeres 2020.

‘Para Sama’, de Waad al-Kateab y Edward Watts

Para Sama documental
Foto de Surtsey Films

Dirección: Waad Al-Kateab y Edward Watts

¿Por qué hay que verla?

Para Sama es un documental de obligado visionado. Su contenido es certero, dado que habla desde la propia experiencia y se muestra la realidad sin ningún tipo de aditivo. Asimismo, es una bofetada de realidad que deja estupefacto por aquello que todavía en pleno 2020 sigue ocurriendo. Por otro lado, el estilo se aleja de formalidades, para dejar paso a la emoción de la imagen y la crudeza en grabaciones que no tienen planificación, sino que ocurren en vivo y en directo. Indudablemente, uno de los mejores documentales del año. Un documento audiovisual que quedará para la posteridad.

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‘Saint Maud’, de Rose Glass

Saint Maud
Foto de Sony Pictures

Dirección: Rose Glass
Guion: Rose Glass

Reparto:
Morfydd Clark (Maud)
Jennifer Ehle (Amanda)
Lily Knight (Joy)
Lily Frazer (Carol)
Turlough Convery (Christian)

¿Por qué hay que verla?

Saint Maud es una de las grandes revelaciones del cine de terror de 2020. Gracias a un guion cuidado, alejado de estridencias y con un uso de la tensión exquisita, deja constancia del gran talento de Rose Glass en su primera película. De principio a fin trae una historia cautivadora y espeluznante, que cultiva y es coherente con su ambiente asfixiante y opresivo. Asimismo, dejar al espectador que complete con sus propias maquinaciones es una decisión totalmente acertada. Por otro lado, Morfydd Clark y Jennifer Ehle están espectaculares, realizando un duelo energético estremecedor. Después, la realización técnica es extraordinaria. Sin el poder la imagen y una banda sonora a la altura no hubiera sido posible fabricar esa vorágine de angustia en el espectador. La santa que envuelve con su manto de pánico y arrasa en su catarsis escalofriante.

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‘Sin señas particulares’, de Fernanda Valadez

Sin señas particulares
Foto de Festival de Cine por Mujeres 2020

Dirección: Fernanda Valadez
Guion: Astrid Rondero y Fernanda Valadez

Reparto:
Mercedes Hernández (Magdalena)
David Illescas (Miguel)
Juan Jesús Varela (Jesús)
Ana Laura Rodríguez (Olivia)
Armando García (Rigo)

¿Por qué hay que verla?

Sin señas particulares es una aventura cinematográfica llena de misterio e incógnitas, que se mezcla a la perfección con el dolor y la pérdida. Mediante un guion lleno de matices, regala una historia profunda y muy humana, que innova en su estilo particular y en una resolución original e imprevisible. De igual manera, aplaudir el trabajo descarnado de Mercedes Hernández, que arrasa con todo ese torbellino personal. Asimismo, la composición visual y sonora crean una ambiente árido y turbio, que se sublima en una tirantez contemplativa y certera. La búsqueda de los vestigios de los sueños de una tierra arrebatada, que desembocan en una verdad feroz y desgarradora.

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‘Systemsprenger (System Crasher)’, de Nora Fingscheidt

Systemsprenger
Foto de Filmin

Dirección: Nora Fingscheidt
Guion: Nora Fingscheidt

Reparto:
Helena Zengel (Bernadette ‘Benni’ Klaaß)
Albrecht Schuch (Michael ‘Micha’ Heller)
Gabriela Maria Schmeide (Señora Bafané)
Lisa Hagmeister (Bianca Klaaß)
Melanie Straub (Dr. Schönemann)

¿Por qué hay que verla?

Systemsprenger (System Crasher) es un cautivador análisis sobre aquellos niños que se encuentran incomprendidos en un sistema que no es capaz siempre de encontrar la respuesta. Gracias a una narrativa que no busca culpables, sino mostrar la dificultad de estar en una situación así, deja momentos de verdadera emoción. Sin embargo, se alarga la película en el tiempo y pierde algo de fuerza en ese proceso. Por otro lado, Helena Zengel es puro cine, con una interpretación excelente. A nivel visual, sigue en sintonía con el film, afrontándolo con vigorosidad, fuerza y estridencia. El grito violento de la ira que se escucha desde la observación y provoca la necesidad de querer entender.

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‘Ceniza negra’, de Sofía Quirós Úbeda

Ceniza negra
Foto de Filmin

Dirección: Sofía Quirós Úbeda
Guion: Sofía Quirós Úbeda

Reparto:
Smashleen Gutiérrez (Selva)
Humberto Samuels (Tata)
Hortensia Smith (Elena)
Keha Brown (Winter)
Yulius Melvin Brown Rudolf (Fabián)

¿Por qué hay que verla?

Ceniza negra es pura magia onírica, que crea un puente entre el tránsito de la vida y la muerte. Gracias a un guion lleno de misticismo y cotidianidad, regala un relato que cautiva al espectador por esa atmósfera espiritual tan atrayente. Además, su reparto logra un trabajo coral pasional, a la vez que se deshace de falsos aditivos y trae frescura al partir de un esquema no conocido. Por otro lado, la composición de la imagen es vigorosa, con una atracción hipnótica que deja salir esa dualidad característica del film. Un ritual sugestivo y magnético, que atrapa hasta comprender ese intercambio vital.

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‘Rol & Rol’, de Chus Gutiérrez

Rol & Rol
Foto de Turanga Films

Dirección: Chus Gutiérrez
Guion: Chus Gutiérrez

¿Por qué hay que verla?

Rol & Rol refleja perfectamente la evolución de la lucha feminista y lo imprescindibles que son los referentes en los medios de comunicación. De esta forma, plantea la urgencia de cambiar los estereotipos en pantalla, mostrando la transformación y la influencia que emerge ante nuevas figuras para las próximas generaciones. Además, ha contado con unas participaciones muy interesantes, por la diversidad de funciones profesionales y su visión de los cambios sociales que están ocurriendo ahora mismo. De la misma manera, Chus Gutiérrez demuestra ser una gran realizadora, dado que obtiene un resultado dinámico, muy interesante y con un ritmo muy bien llevado. Un documental necesario que remueve conciencias y busca soluciones para una igualdad real.

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‘El agente topo’, de Maite Alberdi

El agente topo
Foto de BTeam Pictures

Dirección: Maite Alberdi
Guion: Maite Alberdi

¿Por qué hay que verla?

El agente topo es un documental vivo, que ha sabido innovar en su contenido y en su forma. Sin duda, sorprende por la manera de ir desengranando los misterios que se esconden dentro de esta particular misión secreta. Además, Sergio Chamy es el perfecto nexo de unión, que da su lugar a todas aquellas protagonistas que forman parte de la película. Tienen una verdad tan tierna y cercana, que es imposible apartar la mirada. Por tanto, marca la importancia de escuchar a las personas en su plena vejez. Luego, el despliegue técnico goza de un dinamismo interesante, que se aleja de los estándares del documental y ofrece una propuesta artística cautivadora y agradable. La misión de saber la situación de las residencias con la efectividad de comprender el importante mensaje que hay detrás.

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‘Blizny (Scars)’, de Agnieszka Zwiefka

Foto de Filmin

Dirección: Agnieszka Zwiefka
Guion: Agnieszka Zwiefka

¿Por qué hay que verla?

Blizny (Scars) es un documental que habla de las mujeres que lucharon en los Tigres de Liberación del Eelam Tamil. A partir de la vida de Vetri, se establece una red de historias que tienen un gran valor humano e histórico, para conocer más de cerca un movimiento que removió los cimientos de la historia contemporánea. Además, es una denuncia eficiente de seguir promulgando y expandir las consecuencias del conflicto a todo el mundo. Igualmente, se busca una imparcialidad, que, a veces, se difumina por las personas que accedieron a participar en él. Por otro lado, el despliegue técnico es cuidado, con una iluminación y uso de los espacios precisos. Omiten el formato estándar de entrevista y dejan fluir un estilo más cercano, sencillo y humano. Las heridas de la guerra que están por sanar y dan fuerzas para seguir alzando la voz para no ser olvidadas.

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‘Zgodovina ljubezni (History of Love)’, de Sonja Prosenc

Zgodovina ljubezni
Foto de Filmin

Dirección: Sonja Prosenc
Guion: Sonja Prosenc

Reparto:
Doroteja Nadrah (Iva)
Kristoffer Joner (Erik)
Matej Zemljic (Gregor)
Zoja Florjanc Lukan (Zoja)
Matija Vastl (El padre)

¿Por qué hay que verla?

Zgodovina ljubezni (History of Love) es una poesía visual y sonora, que prescinde de la palabra para activar los estímulos de una forma magistral. De esta forma, aborda la pérdida, la frustración, el dolor y una nueva esperanza. Es cine que debe ser consumido con suavidad, sin prisas y en plena contemplación. Su elenco actoral encandila por su delicadez y su elegancia, con una expresividad exquisita. Asimismo, la composición de la imagen y del sonido es impresionante, otorgándole un poder donde reside la magnificencia del relato. Decir adiós en un silencio abrumador que desemboca en una oda a la observación introspectiva.

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‘Arima’, de Jaione Camborda

Arima
Foto de Esnatu Zinema

Dirección: Jaione Camborda
Guion: Jaione Camborda

Reparto:
Melania Cruz (Julia)
Tito Asorey (David)
Rosa Puga Davila (Elena)
Nagore Arias (Olivia)
Iria Parada (Nadia)

¿Por qué hay que verla?

Arima es una historia distinta, una vorágine de misterios y enigmas, que se sumerge en un abanico de emociones. De esta forma, Jaione Camborda demuestra su talento en historias más crípticas, que se alejan de una realización más directa. En consecuencia, hay parte del público que le puede resultar excesivamente sensitiva, mientras que otros adorarán esta parte al dejar al espectador que complete con los estímulos que reciba. El reparto está magnífico, con una sinergia espectacular. Lo mismo sucede con la realización del film, que goza de una simbología muy cuidada y un uso artístico de la imagen sugestivo y sombrío. Un rompecabezas emocional, que encuentra su fuerza en el sentir.

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‘Lucky One’, de Mia Engberg

Lucky One
Foto de Filmin

Dirección: Mia Engberg
Guion: Mia Engberg

Reparto:
Olivier Loustau (Vincent)
Bruno La Brasca (El Jefe)
Lorette Nyssen (Adina)
Diana Rudychenko (Diana)
Mia Engberg (Mia)

¿Por qué hay que verla?

Lucky One es un experimento cinematográfico que provoca interés por utilizar recursos que no son habituales en las producciones del séptimo arte. Por lo cual, es de valorar el riesgo. Además, obtiene un resultado cautivador, con una historia que alberga unos matices muy interesantes y un contraste entre los principales personajes. De esta forma, ha sabido darle valor narrativo, a la par que fomentar la interacción activa del espectador. Los cuatro intérpretes del film son imprescindibles, con un manejo de su talento artístico exquisito. Después, a nivel técnico, solo subrayar que merece la pena por descubrir cómo se ha realizado esta estimulación audiovisual. Historias paralelas que convergen en una noche parisina singular, donde el espectador se convierte en protagonista.

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‘Parwareshgah (The Orphanage)’, de Shahrbanoo Sadat

Parwareshgah
Foto de Filmin

Dirección: Shahrbanoo Sadat
Guion: Shahrbanoo Sadat

Reparto:
Qodratollah Qadiri (Qodrat)
Hasibullah Rasooli (Hasib)
Masihullah Feraji (Masih)
Ahmad Fayaz Osmani (Fayaz)
Ehsanullah Kharoti (Ehsan)

¿Por qué hay que verla?

Parwareshgah (The Orphanage) reinventa la realidad de Afganistán de los 80 con una oda cinematográfica sobre los cambios en la juventud. Lo afronta desde una perspectiva luminosa frente a una realidad tan dura. Por lo cual, lo lleva a un enfoque muy singular y dinámico, que deja una sensación muy positiva en el espectador. Se disfruta por su identidad fresca. El reparto de actores adolescentes es espléndido, haciendo recordar a películas de esta índole de los años 90. De la misma forma, cultiva la imagen en una fragancia de nostalgia, diversión, histrionismo y ritmo bollywoodiense, que culmina en una comedia dramática estupenda. El acto de resistir a la cruenta realidad con una metamorfosis jovial, que brilla por su idiosincrasia cinéfila.

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‘Shpia Agës (Aga’s House)’, de Lendita Zeqiraj

Shpia Ages
Foto de Filmin

Dirección: Lendita Zeqiraj
Guion: Lendita Zeqiraj

Reparto:
Arti Lokaj (Aga)
Rozafa Celaj (Emira)
Adriana Matoshi (Lumja)
Basri Lushtaku (Cera)
Melihate Qena (Gjyla)

¿Por qué hay que verla?

Shpia Ages (Aga’s House) es una reflexión interesante sobre la figura de la mujer en Kosovo y Albania. Mantiene un diálogo que tarda en desarrollarse, pero que termina por explorar en una segunda parte muy bien lograda. Por lo cual, Lendita Zeqiraj expone una realidad diversa y sin gran escaparate mediático. El reparto de mujeres está excelso, acompañado de un Arti Lokai con potencial, aunque se ve opacado por sus compañeras de reparto. Después, la composición visual es espectacular, con unos exteriores frondosos y poéticos, que contrasta con el ambiente asfixiante que se consigue expresar. Una sensibilidad artística cautivadora. El refugio abierto de unas mujeres que denuncian una posición que se debe radicar.

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‘Ara Malikian: Una vida entre las cuerdas’, de Nata Moreno

Ara Malikian Una vida entre las cuerdas
Foto de Syldavia Cinema

Dirección: Nata Moreno
Guion: Nata Moreno

¿Por qué hay que verla?

Ara Malikian: Una vida entre las cuerdas refleja la vida del violinista a través de un camino personal y artístico muy emocionante. Gracias a su historia, se habla de temas imprescindibles como la inmigración, el talento y la lucha por cumplir su sueño. De igual manera, ofrece unas declaraciones y archivo histórico muy rico, que permite al espectador conectar sin problemas con el artista. Por otro lado, la estética y cuidado visual del documental es excelente, con unos aspectos muy artísticos y un detalle por la sensibilidad certero. El montaje, a veces, peca de temple, pidiendo una mayor ligereza, pero se compensa con momentos realmente emocionales. El viaje de un artista que demuestra cómo la música y la perseverancia pueden llegar a ser el salvavidas magnánimo necesario.

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‘Aniara’, de Pella Kågerman y Hugo Lilja

Aniara
Foto de Filmin

Dirección: Pella Kågerman y Hugo Lilja
Guion: Pella Kågerman y Hugo Lilja

Reparto:
Emelie Garbers (MR)
Blanca Cruzeiro (Isagel)
Arvin Kananian (Chefone)
Anneli Martini (La Astrónoma)
Jennie Silfverhjelm (Libidel)

¿Por qué hay que verla?

Aniara es un viaje cósmico con un retrato mordaz de la sociedad y el transcurso de la misma expuesta al límite y sin un estado del bienestar. El guion explora los miedos y reacciones ante un experiencia vital fuera de lo común, pero que no deja de ser tan humana como la vida misma. El reparto es potente, con unas actrices que arrollan gracias a su profesionalidad y sensibilidad en sus respectivos papeles. Y, sin duda, lo mejor del film es su factura visual y sonora, que no tiene nada que envidiar a películas de la industria de Hollywood. Únicamente el ritmo se alarga en el tiempo y afecta al impacto que produce en su conjunto. Una expedición al nuevo mundo que pone un espejo humano de grandes dimensiones.

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‘La última primavera’, de Isabel Lamberti

La última primavera
Foto de Festival de Cine por Mujeres 2020

Dirección: Isabel Lamberti
Guion: Isabel Lamberti y Lenina Ungari

Reparto:
Agustina Mendoza Gabarre (Agustina)
David Gabarre Jiménez (David)
Alejandro Gabarre Mendoza (Alejandro)
David Gabarre Mendoza (David)
María Duro Rego (María)

¿Por qué hay que verla?

La última primavera es un relato muy humano, que se nota que bebe de una realidad ficcionada interesante. No busca ni el dramatismo, ni la reivindicación, sino hablar de un modo de vida y presentarlo al gran público. Por lo que, no profundiza en ello, aunque a veces se echa en falta. Asimismo, la propia familia Gabarre Mendoza se interpreta a sí misma, realizando unas interpretaciones eficaces, veraces y con una sensibilidad sorprendente. Cada uno aporta su sello único. Por otro lado, la composición visual es singular, llevándolo a una estrategia más urbana y sencilla, con los puntos de emoción suficientes para atraer al público. Los recuerdos de una vida en pleno cambio, donde las raíces y sensaciones son su propio vehículo de expresión.

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‘Woorijb (The House of Us)’, de Yoon Ga-eun

Woorijb (The House of Us)
Foto de Filmin

Dirección: Yoon Ga-eun
Guion: Yoon Ga-eun

Reparto:
Kim Na-Yeon (Hana)
Kim Shi-A (Yoo-Mi)
Joo Ye-Rim (Yoo-Jin)
Ahn Ji-Ho (Chan)
Choi Jung-In (Soo-Jin)

¿Por qué hay que verla?

Woorijb (The House of Us) refleja la visión de la niñez con un telón de fondo más adulto. Expresa una reflexión importante sobre las influencias de las acciones de los padres en la propia experiencia vital del hijo. De igual manera, se aborda desde la creatividad e imaginación, profundizando con esa magia cándida. Kim Na-Yeon demuestra tener un gran talento, que puede valerle un potencial en crecimiento, según vaya desarrollándose interpretativamente. Kim Shi-A y Joo Ye-Rim también se mantienen a la altura. Después, la artesanía de la imagen se desvela en luminosa y llena de alegría y movimiento, equilibrándolo con un montaje liviano, donde se podría haber apostado por mayor pasión en las escenas de mayor carga emocional. Las luces y el júbilo se aderezan con los sueños y una madurez creciente.

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‘Nic nie ginie (Nothing is Lost)’, de Kalina Alabrudzinska

Nic nie ginie
Foto de Festival de Cine por Mujeres 2020

Dirección: Kalina Alabrudzinska
Guion: Kalina Alabrudzinska

Reparto:
Dobromir Dymecki (Terapeuta)
Zuzanna Pulawska (Klaudia)
Michal Surosz (Donatello)
Piotr Pacek (Actor)
Jan Hrynkiewicz (Przemek)

¿Por qué hay que verla?

Nic nie ginie (Nothing is Lost) se introduce en el mundo de la salud mental y reivindica la importancia de ésta. Se deshace de dramas, para traer una comedia liviana, cercana y muy accesible. De esta manera, expande la visibilización con buen rollo y sin entrar en la complejidad que puedan tener los trasfondos de cada uno de los temas que se tratan. El reparto coral es muy natural y fluye la energía de una forma muy orgánica. A pesar de no ser un largometraje trascendental, han sabido cuidar el montaje y la composición para seguir transmitiendo esa paz y buen rollo. Una sesión en grupo que pone sobre la mesa la necesidad de hablar y hace sentir al espectador uno más.

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‘Cartas mojadas’, de Paula Palacios

Cartas mojadas
Foto de Syldavia Cinema

Dirección: Paula Palacios
Guion: Paula Palacios

¿Por qué hay que verla?

Cartas mojadas es un grito de auxilio, que llega gracias a mostrar la historia sin aditivos y dando voz directamente a las personas implicadas. Con este retrato certero, Paula Palacios dibuja un retrato realista y sincero, que impacta emocionalmente para remover y reflexionar. La principal baza que tiene el documental es la riqueza de las imágenes recogidas, que llegan envueltas en un montaje cohesionado y accesible. Únicamente, en ocasiones, se busca la sensibilización, y se nota, algo que resta esa fluidez orgánica que hay en el film. A pesar de ello, sigue siendo una película necesaria. Los movimientos migratorios plantan cara sin adornos, siendo un golpe sobre la mesa imprescindible.

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‘Dröm Vidare (Beyond Dreams)’, de Rojda Sekerszöz

Dröm vidare
Foto de Festival de Cine por Mujeres 2020

Dirección: Rojda Sekerszöz
Guion: Johanna Emanuelsson

Reparto:
Evin Ahmad (Mirja)
Gizem Erdogan (Sarah)
Malin Persson (Emmy)
Segen Tesfai (Nina)
Outi Mäenpää (Sirkka)

¿Por qué hay que verla?

Dröm Vidare (Beyond Dreams) es un film que narra la transformación de una joven y su búsqueda por romper con un pasado que no le permite emerger. De esta manera, el guion aborda las cuestiones vitales que afloran en un cambio de vida y se sumerge en esa evolución reflexiva. Su elenco de actrices es muy natural y pone verosimilitud a lo que se está contando. Luego, a nivel técnico, hay una imagen cuidada, pero no hay una profundización en la expresividad mediante lo visual. Aun así, cumple con su cometido. Un puente hacia una nueva vida, que se construye desde un realismo positivo y en progreso.

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‘Andrómedas’, de Clara Sanz Cuesta

Andrómedas
Foto de Festival de Cine por Mujeres 2020

Dirección: Clara Sanz Cuesta
Guion: Clara Sanz Cuesta

¿Por qué hay que verla?

Andrómedas es un documental muy humano, que expresa las relaciones entre personas desde una perspectiva diferente. Por un lado, muestra la sinergia entre personas mayores y sus cuidadores internos. Mientras que, por otro, explora sus motivaciones vitales personales. Clara Sanz Cuesta encuentra en su abuela Rosita Monteagudo y María Loja dos perfectas protagonistas para retratar una realidad de la que no se suele hablar mucho. De igual manera, hay un sello de identidad visual muy trabajado, con detalles metafóricos y sugestivos espléndidos. Encuentra su identidad en la sencillez, en lo íntimo y en la familiaridad. Únicamente, el ritmo, a veces, se templa. Pero, en su conjunto, sigue un montaje dinámico. Como las constelaciones del cielo, la sinergia sincera y realista de estas mujeres merece ser vista, escuchada y disfrutada.

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‘Żelazny most (The Iron Bridge)’, de Monika Jordan-Młodzianowska

Zelazny most
Foto de Filmin

Dirección: Monika Jordan-Młodzianowska
Guion: Monika Jordan-Młodzianowska

Reparto:
Julia Kijowska (Magda)
Bartlomiej Topa (Kacper)
Lukasz Simlat (Oskar)
Andrzej Konopka (Mikolaj)
Cezary Lukaszewicz (Sikora)

¿Por qué hay que verla?

Zelazny most (The Iron Bridge) es un drama tirante, o un thriller dramático, que expone un triángulo amoroso peligroso. Sus buenas intenciones marcan un debut cinematográfico interesante, donde todavía falta matizar una mayor profundidad emocional en sus personajes. Aun así, hace una buena gestión de la tensión y tiene un efecto magnético de apreciar. Luego, su trío protagonista está genial, sobre todo Julia Kijowska, la cual interpreta de una forma espléndida. También a nivel técnico hay una buena realización, con un cuidado de la imagen, donde solo falta mayor expresividad perceptiva. Un misterio sin resolver que destapa el suspense y una sensación atrayente.

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‘La vida sin Sara Amat (La vida sense la Sara Amat)’, de Laura Jou

La vida sin Sara Amat
Foto de Alfa Pictures

Dirección: Laura Jou
Guion: Coral Cruz

Reparto:
Biel Rossell (Pep)
María Morera (Sara Amat)
Francesca Piñón (Abuela)
Judit Martín (Roser)
Martí Múrcia (Vidal)

¿Por qué hay que verla?

La vida sin Sara Amat (La vida sense la Sara Amat) es una película relajada, que reflexiona sobre una madurez en plena evolución. El guion goza de esa nostalgia especial, donde hay momentos en los que se abusa de demasiada sencillez. Aun así, deja retazos de un tono melancólico y emocional. Después, el elenco juvenil es fresco y lleno de vida, capitaneados por María Morera y Biel Rosell, que están fabulosos. También hay un despliegue técnico interesante, con pequeños detalles y un estilo muy sensitivo. No obstante, el ritmo languidece en su reposo en algunas partes del film. La lucha contra el inconformismo personal, en plena batalla existencial del recuerdo y el amor.

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‘Nevia’, de Nunzia De Stefano

Nevia
Foto de Filmin

Dirección: Nunzia De Stefano
Guion: Nunzia De Stefano y Chiara Ridolfi

Reparto:
Virginia Apicella (Nevia)
Pietra Montecorvino (Nanà)
Rosy Franzese (Enza)
Pietro Ragusa (Guido)
Franca Abategiovanni (Lucia)

¿Por qué hay que verla?

Nevia es una película que tiene buenas intenciones, al narrar una historia sobre un contexto difícil y esa búsqueda de salvarse de esa situación. Sin embargo, el guion, en su metamorfosis existencial, empieza a flaquear, terminando por decantarse por una resolución rápida, fácil y muy tibia. Ese cierre abrupto deja salir un oportunismo que disminuye el efecto de la cinta. Aún así, el reparto está soberbio, en especial, Virginia Apicella y Rosy Franzese, cautivadoras. Después, la realización difumina su efecto al no encontrar el punto de convergencia certero de los elementos visuales. La transformación anhelada que llega envuelta en una solución moderada.

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‘Aurora’, de Miia Tervo

Aurora
Foto de Filmin

Dirección: Miia Tervo
Guion: Miia Tervo

Reparto:
Mimosa Willamo (Tuuli Aurora Ruikka)
Amir Escandari (Darian)
Elá Yildrim (Azar)
Oona Airola (Kinky)
Miitta Sorvali (Liisa-mummo)

¿Por qué hay que verla?

Aurora es una película simpática, que sigue los esquemas naturales de las comedias románticas. Propone algo de profundización en las problemáticas que azotan a sus personajes, pero se deja llevar por las resoluciones estándares en este tipo de género. A pesar de ello, es entretenida y amena. Después, a nivel interpretativo hay un buen nivel, coherente con la identidad del propio film. Lo mismo sucede con la fotografía, aunque, en este caso, brilla más por el buen uso de la imagen en los escenarios exteriores. Hay una poética del frío cautivadora. Chica conoce a chico, después de pasar por sus circunstancias vitales, se sabe cómo termina.

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‘Los tiburones’, de Lucía Garibaldi

Los tiburones
Foto de Festival de Cine por Mujeres 2020

Dirección: Lucía Garibaldi
Guion: Lucía Garibaldi

Reparto:
Romina Bentancur (Rosina)
Federico Morosini (Joselo)
Fabián Arenillas (Padre de Rosina)
Antonella Aquistapache (Mariana)
Valeria Lois (Madre de Rosina)

¿Por qué hay que verla?

Los tiburones es un retrato del descubrimiento de la adolescencia, que se pierde en el misterio que desea otorgar al relato. Por lo cual, esa tensión emocional y orgánica, se difumina en la falta de sustancia y de una base sólida en la que continuar. Luego, el elenco actoral es irregular, aunque hay que aplaudir las interpretaciones de Antonella Aquistapache y Valeria Lois, las cuales tienen una naturalidad certera. A nivel estético hay un influjo visual con la potencia de unos exteriores cautivadores, que se unen a una selección de color estupenda. Por ende, hay ese impacto en la imagen que triunfa entre los espectadores. Al igual que los cambios en la juventud, hay un constante descubrimiento, pero también falta una definición más precisa.

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‘La tonada del viento’, de Yvette Paz Soldán

La tonada del viento
Foto de Filmin

Dirección: Yvette Paz Soldán
Guion: Yvette Paz Soldán

Reparto:
Franco Miranda (Panchito)
Benjamín Carrasco (Pedro)
Delfín Huanca Baltazar (Justino)
Limbert Huanca Guarachi (Joselito)
José Antonio Maldonado (Guitarrista)

¿Por qué hay que verla?

La tonada del viento es una reflexión interesante que se pierde al no definir bien su cometido. Por lo cual, parte de una base reflexiva sobre el terreno y las raíces, que mengua por la rapidez con la que se presentan los conflictos. A nivel interpretativo hay un encorsetado muy notorio, que desluce al dar una mayor sensación de superficialidad. Lo mismo sucede con el montaje, que no resuelve los puntos más débiles del guion. Aun así, el retrato de los exteriores y la road movie que se formula, demuestran las capacidades como creadora de imágenes. La canción del viento que parece ser oída, pero se aleja por su falta de precisión.

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‘Descubriendo a José Padilla’, de Marta Figueras y Susana Guardiola

Descubriendo a José Padilla
Foto de Festival de Cine por Mujeres 2020

Dirección: Marta Figueras y Susana Guardiola
Guion: Mercè Clascà, Lula Gómez, Susana Guardiola, Marta Figueras, Dolores Payás y Eugenia Montero

¿Por qué hay que verla?

Descubriendo a José Padilla aborda la vida de uno de los autores con mayor éxito en España y expone su faceta personal y artística. La riqueza de todo el material del que goza, no se saca partido en su envoltorio narrativo y audiovisual. Por lo que, termina de dar un aspecto más cercano a los documentales didácticos de institutos y colegios. Se ve que mengua su potencia tanto en sus ponentes como en la calidad de la realización, la cual no cuida detalles, no innova plásticamente y no es atractiva. Aun así, hay algún material que brilla, como las propias imágenes grabadas por Padilla, o su etapa en París. Un intento de homenajear a un icono de la Historia de la Música que podría deslumbrar más.

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‘Violeta no coge el ascensor’, de Mamen Díaz

Violeta no coge el ascensor
Foto de Filmin

Dirección: Mamen Díaz
Guion: Mamen Díaz y Violeta Rodríguez

Reparto:
Violeta Rodríguez (Violeta)
Fernando Delgado-Hierro (Miguel)
Sara Diego (Sara)
Pablo Chaves (Pablo)
Pablo Gómez-Pando (Mateo)

¿Por qué hay que verla?

Violeta no coge al ascensor se rige por un planteamiento aficionado que no le beneficia nada. Desde el guion hasta la realización técnica, presenta flaquezas que parecen llevarlas por bandera. En consecuencia, el resultado es flojo, vacía de contenido y en una nube de superficialidad, que cae en una cutrez, ya sea intencionadamente, o no. A nivel interpretativo no es mucho mejor, aunque se salvan Sara Diego y Pablo Gómez-Pando, los cuales tienen frescura y más naturalidad que sus compañeros. Una cinta completamente olvidable que se equivoca en la ejecución y no se toma en serio ni a sí misma.

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